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ART 25 Sep >>>
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ART “4” “2”-DAY  24 September v.9.80
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DEATH: 1822 MICHALLON
^ >Died on 24 September 1822: Achille Etna Michallon, French painter born on 22 October 1796.
— Achille Michallon, the son of the sculptor Claude Michallon [1751-1799], who had won the prix de Rome in 1785, grew up in the Louvre where his parents had an apartment adjacent to his father's studio. At the age of six, while the Louvre was being renovated, they moved to artist's lodgings in the Sorbonne. Already exhibiting a precocious talent, Michallon first entered the studio of Jacques-Louis David [30 Aug 1748 – 29 Dec 1825] , where he studied the art of drawing the human form, before joining that of Valenciennes [1750-1819, specialized in landscapes]. Under the latter's tutelage he developed his interest in landscapes and took instruction from two of Valenciennes' followers, Dunouy and Bertin [1797-1871]. In 1812, at the age of fifteen Michallon exhibited for the first time at the Salon, receiving a second prize gold medal — an astonishing achievement that excited much comment at the time.
      With such critical attention at an early age it is hardly surprising that Michallon attracted the patronage of the enormously wealthy Prince Yussoupoff (who returned to Russia in 1814), then of the Duchess of Berry, daughter-in-law of the future King Charles X, as well as the Count de L'Espine, the finance master of Louis XVIII. In 1817 he exhibited two major works at the Salon, Roman Shepherds contemplating the Ruins of a Tomb and A Landscape with Democritus and the Alberitons, for which he received the newly founded prix de Rome for historical landscape (paysage historique), founded to honor his former teacher Valenciennes. It was hoped that the institution of this prize would confer on landscape painting a similar prestige to that it had long bestowed on history subjects.
      Michallon re-energized the art of landscape painting, avoiding the repetitiveness of Dunouy, Bidauld and Bertin, and soon established his own circle of admiring artists, of whom the most eminent was the young Camille Corot [1796-1875]. Michallon introduced into this genre a hint of the romanticism that was to dominate the succeeding two decades. His larger, most ambitious landscapes manifested the sense of drama and grandeur found in the work of Nicolas Poussin [1594-1665] , which was to become even more apparent in his works produced in Rome between 1817 and 1821. Michallon died before his talent was fully realized at the age of twenty-six, leaving only a modest output of finished works and a number of brilliant sketches, small studies and drawings.

LINKS
–- The Fallen Branch, Fontainebleau (1816, 41x52cm; 787x1000pix, 117kb — .ZOOM to 1574x2000pix, 439kb)
Paysage inspiré de la vue de Frascati (1822, 127x171cm)
–- Italianate Landscape with People on a Path near Ruins (1819, 38x46cm; 677x799pix, 51kb)
–- Paysans romains au pied de la cascade de Tivoli (50x62cm; 765x954pix, 82kb) _ Achille-Etna Michallon se rendit une première fois à Tivoli au mois de juin 1818, pour y revenir ensuite à la fin du mois de juillet de la même année. Une lettre écrite en date du 19 septembre 1818 à Charles de l'Espine, fils aîné de Pierre-Charles de l'Espine qui avait protégé Michallon à ses débuts, témoigne de l'enchantement spontané de l'artiste lorsqu'il parvint sur le lieu visité par tout peintre étranger en Italie. Trois ans plus tard, en 1821 (peut-être juste avant son départ en été pour le nord de l'Italie, la Suisse et enfin la France) Michallon fit une dernière visite à Tivoli, au cours d'une excursion en direction de Palestrina, comme le montrent plusieurs dessins localisés et datés. C'est peut-être au cours de ce deuxième voyage à Tivoli qu'il a réalisé un dessin de grand format (45x58cm) au crayon noir et à la mine de plomb avec rehauts de craie blanche sur papier brun, qui reproduit la vallée de l'Aniene avec ses cascades et le temple de Vesta qui domine le paysage. Ce dessin a été probablement utilisé par l'artiste pour se faire une première idée du tableau, exécuté plus tard avec l'ajout des figures au premier plan. De plus, une étude à l'huile sur papier marouflé sur toile (43,5 x 33 cm, collection particulière), peinte certainement d'après nature, lui a servi pour fixer dans sa mémoire la partie centrale du tableau, avec les bâtiments qui surplombent la cascade et le torrent qui va jusqu'au premier plan, et pour se rappeler les lumières et les couleurs, qu'il pourrait ainsi employer dans la Cascade de Tivoli et paysans au premier plan. Par rapport à l'huile sur papier, ici le panorama, élargi des deux côtés, maintient toutes les nuances des verts et des marrons, en accord avec le bleu des eaux. Le ciel, partiellement couvert de nuages et la lumière provenant de droite demeurent inaltérés dans le tableau définitif qu'on peut peut-être mettre en rapport avec la Vue de la cascade de Tivoli, prise sur les lieux par l'auteur qui figurait dans une exposition à Lille en 1822.
–- Port du Bac (lithograph 32x27cm; 939x760pix, 108kb) le bac de Neuilly-sur-Seine
–- Mazzocchi, Brigand de l'État Romain (lithograph 37x23cm; 1132x829pix, 98kb)
—(090923)

Died on a 24 September:

1983 Anatole Jacovsky [–], Roumanian French “naïf” painter. —(090923)

^ 1930 Otto Müller, German artist born on 16 October 1874.
Badende Frauen (Sommer) (1922; 570x698pix, 248kb)

^ 1928 Carl Wilhelm Wilhelmson, Swedish painter and lithographer born on 12 November 1866. Wilhelmson trained first as a commercial lithographer in Göteborg. In 1886 he enrolled as a student of decorative painting at Valand College of Art where his teacher was Carl (Olof) Larsson. In 1888, having obtained a travel grant, he went to Leipzig to study lithographic technique. From 1890 to 1896 he lived in Paris, where he worked as a lithographer and commercial artist and studied at the Académie Julian. Wilhelmson’s preferred subject-matter was the coastal landscape of Bohuslän and the people of its little fishing villages with their huddles of wooden houses. There is no trace of ethnography in his depictions of local life; they are full of serious realism and display a sensitive insight into the perilous life of the fishermen, with which he had been familiar since childhood. In the Village Shop (1896) depicts his mother with customers in the shop she kept after her husband’s death. Resignation (1895) and The Sick Child (1896) are reminiscent of the work of Christian Krohg in the 1880s.
Two Farm Girls (543x439pix)
Swedish Girl (567x451pix)

^ 1895 Ernst Meisel (or Ernest; Meissel), German genre painter born on 08 March 1838. He was born in Lichte and died in Munich. Meisel received his formal art training at the Berlin Academie, where he studied under Carl Theodore Piloty (1826-1886), one of the best teachers of genre at the time. In 1893, the Baden-Baden Museum two works of Meisel: Sieste et celui de Liège, and Le coup de l'étrier.
— (Oriental Dancer) (700x414pix, 52kb) —(050923)

^ 1892 Jan Willem van Borselen, Dutch painter born on 20 September 1825.
A Girl and a Donkey on a Country Lane (33x51cm; 839x1320pix, 274kb)
(Street Corner in a Coastal Town?) (12x8cm; 1201x832pix, 155kb) mislabeled as A Coastal View with a Town in the Distance.
People in a Boat with Two Windmills Beyond (1862, 33x55cm; 533x880pix, 76kb)
An Angler near a Windmill (25x37cm; 330x510pix, 28kb) —(050923)


Born on a 24 September:


1940 Mercedes Gómez-Pablos, pintora española. —(090923)

>1931 Gilberto Aceves Navarro, Mexican artist.
Naufragio (1999; 1754x1270pix, 178kb) etching, white sketch on a dark pinkish background. —(090923)

^ 1914 Jiri Kolár, Czech painter, collagist, poet, writer, and translator, who died on 11 August 2002.
–- A Viso Aperto (1231x900pix, 165kb) —(070923)

>1900 Karel Honzik, Czech artist who died on 04 February 1966. —(060923)

>1899 William Dobell, New South Wales Australian artist who died on 13 May 1970. —(060923)

>1877 Eduard Maria Balcells i Buigas, Barcelona Catalan architect who died on 04 November 1965. —(090923)

^ >1807 Friedrich Wilhelm Heinrich Theodor Hosemann, German genre painter and lithographer who died on 15 October 1875. — {Did he have a special interest in legwear?}— Unter den Berliner Zeichnern und Malern des 19. Jahrhunderts erfreute sich kaum einer so großer Beliebtheit wie Theodor Hosemann, einer der interessantesten Künstler seiner Zeit. Das vormärzliche Berlin hat in ihm, so kann in einem Gedenkartikel in den »Schriften des Vereins für die Geschichte Berlins« vom September 1897 nachgelesen werden, »seinen getreuesten Chronisten und Schilderer gefunden; und hätte er nicht mehr geschaffen als seine Bilder aus dem Berliner Volksleben, sein Andenken könnte nicht verlöschen, und jeder, der die Geschichte unserer Stadt in jenen Zeiten recht verstehen will, muß auch die Schilderungen Hosemanns zur Hand nehmen – die beste Bilderchronik jener Jahre!«. Nicht nur der Zeichenstift, auch Pinsel und Palette waren ihm vertraut. Für die Malerei fand er allerdings wesentlich weniger Zeit. Dem Karikaturisten und Zeichner, dem Maler und Buchillustrator verdanken wir an die 5000 bis 6000 graphische Arbeiten, etwa 500 Ölgemälde, zahlreiche Aquarelle und unendlich viele Handzeichnungen.
     Nicht mit Spreewasser getauft, hat er dennoch fast ein halbes Jahrhundert in Berlin gelebt und gewirkt. Seine Wiege stand im Märkischen. Im Kirchenbuch der reformierten Johanniskirche in der Altstadt von Brandenburg erfolgte vor nunmehr 190 Jahren die Eintragung:
     Friedrich Wilhelm Heinrich Theodor Hosemann, geboren den 24 September 1807; getauft den 31 October desselben Jahres. Der Vater, Wilhelm Albrecht Hosemann, diente als Lieutnant im Regiment Puttkamer, das zu jener Zeit in der Havelstadt stationiert war; er entstammte einer Pastorenfamilie aus der rebenreichen Pfalz in Neustadt an der Hart. Die Mutter, Christiane Charlotte, war Märkerin, Tochter des Bürgermeisters und Justizdirektors Stenge von Nauen bei Spandau. Des Vaters Sold als preußischer Offizier war kärglich, um die Frau, den Jungen und zwei zuvor geborene Töchter konnte er sich, kriegs- und militärbedingt, kaum kümmern. Auf den Schultern der Mutter lag die Last, für die Familie zu sorgen, die zu einem ständigen Wanderleben gezwungen war, wobei sie bei Verwandten bald hier, bald dort Unterkunft fanden.
     Den beschwerlichen, widrigen Lebensumständen war es geschuldet, daß Sohn Theodor bereits sehr früh Geld verdienen mußte. Mit 12 Jahren trat er als Lehrling in die lithographische Anstalt von »Arnz & Winckelmann« in Düsseldorf ein. Das Zeichnen war ihm in die Wiege gelegt worden, und stets hat er Trost und seinem heiteren Gemüt entsprechende Ablenkung von alltäglichen Sorgen bei seinen Farben und einem Stückchen Papier gefunden. Nun aber konnte er auch durch das Kolorieren von Bilderbögen einige Groschen Geld zum Familienunterhalt beisteuern. Die rastlose Tätigkeit, die sein ganzes späteres Leben kennzeichnete, zeigte sich schon in seiner frühesten Jugend. Alsbald wurde aber auch das Talent des Knaben offenbar. 1822, knapp 15jährig, nicht lange nach dem Tod der Mutter, erhielt er eine Anstellung bei Arnz & Winckelmann als Zeichner mit festem Gehalt von 200 Talern jährlich, was in etwa dem Jahressold des Vaters entsprach. Nebenbei besuchte er die damals gerade gegründete Düsseldorfer Kunstakademie, der Peter Cornelius [1783–1807] und später Wilhelm Schadow [1788–1862] vorstanden. Seine Lehrer waren Cornelius, der dem jungen Hosemann 1822 in einem Zeugnis eine künstlerische Begabung bescheinigte, und Adolf Schrödter. 1828 beschloß der Teilhaber Johann Christian Winckelmann, sich selbständig zu machen und in Berlin eine eigene lithographische Anstalt, den später sehr bekannt gewordenen Verlag »Winckelmann & Söhne«, zu gründen.
     In diesem Schlepptau kam Theodor Hosemann nach Berlin, das damals knapp 250 000 Einwohner zählte, immerhin Residenz des Königs, Sitz der obersten Behörden Preußens war und nach den Befreiungskriegen geradezu magisch bedeutende Köpfe aus Wissenschaft (an die neugegründete Universität), aus Kunst und Theater anzog. So sehr sich die spätere Entwicklung zur Weltstadt bereits andeutete, so viel Kleinliches, für ihre »Herkunft« Typisches sollte sich in ihr noch lange erhalten. Gerade dieses Milieu, diese Mentalität faszinierte den jungen Hosemann, und nie wieder sollte er davon loskommen. So begann sein Weg zum geist-, gemüt- und humorvollen Darsteller Alt-Berliner Lebens. 400 Taler Jahresgehalt war »Winckelmann & Söhne« sein nunmehriges Mitwirken als erster Zeichner wert. Gemeinsam entwickelte man die Jugendschriften- Illustration. Über 100 Kinder- und Jugendbücher hat Hosemann mit kolorierten Feder- oder Krei-dezeichnungen illustriert. Das allergrößte Bilder-ABC aus dem Jahre 1828 war sein erstes größeres Werk für Winckelmann & Söhne, danach Das Berliner ABC, Schriften von Dielitz und Nieritz und vieles mehr.
     Weiter für seinen Verlag tätig, hat er alsbald auch für andere Auftraggeber gearbeitet, darunter den Kunstverlag Gropius. Hier zeichnete er nach dem Ausscheiden von Franz Burchard Doerbeck [1799–1835] auf Wunsch zunächst sogar in dessen Stil weiter. Mit dem nur um wenige Jahre jüngeren Adolph Menzel [1815–1905], der ebenfalls von der Lithographie her kam, gestaltete er 1834 zum Beispiel Erinnerungskarten für die Feste des »Vereins Berliner Künstler«; beide gehörten neben anderen bekannten Schriftstellern und Künstlern dem Berliner Sonntagsverein »Der Tunnel über der Spree« an. Durch Eduard Meyerheim [1808–1897] angeregt, hatte er sich mit Erfolg auch der Ölmalerei zugewandt. Jahre später fand er dann Zugang zu allerhöchsten Kreisen – als Zeichenlehrer der Kinder des Grafen Carl Brühl, Generalintendant der Königlichen Schauspiele, nachdem dieser im Hause von Winckelmann die Arbeiten Hosemanns kennen und schätzen gelernt hatte. Der Großherzogin von Mecklenburg- Schwerin gab er Anfang der 50er Jahre Unterricht in Zeichnen und Aquarellmalen; Prinz Georg von Preußen gehörte zu seinen Schülern und Gönnern. In den Kreisen des Adels und des höhergestellten Bürgertums hat er später auch die besten Käufer seiner Bilder gefunden. Und trotzdem hatte er die Welt des Kleinbürgertums und den Alltag der Berliner nie aus den Augen verloren. Ganz besonders inspirierte ihn sein Freund Adolf Glaßbrenner [1810–1876], der Anfang der 30er Jahre in Theodor Hosemann den kongenialen, einfühlsamen Illustrator unter anderem für seine unter dem Pseudonym Brennglas herausgegebenen Hefte Berlin wie es ist und – trinkt fand. Viele der mit der Feder auf Stein gezeichneten und leicht kolorierten Bildchen schmückten die Skizzen des engagierten Publizisten – das erste Heft kam 1832 heraus; bis 1850 erschienen in unregelmäßigen Abständen insgesamt 30 dieser Heftchen; einige von ihnen erlebten zahlreiche Auflagen. Mit ihnen wurden die untersten Bevölkerungsschichten und der Berliner Dialekt in die Literatur eingeführt. Von Hosemanns Hand stammten dabei auch etliche der handkolorierten Titelbilder, so der Guckkästner (1834). Etwa 20 Jahre währte die unmittelbare, überaus fruchtbare Zusammenarbeit des für spitze und scharfe Formulierungen bekannten Satirikers – einer seiner Wahlsprüche lautete: Der Ernst ist Partei, der Humor steht über den Parteien – und des, seinem Naturell entsprechend zurückhaltenderen, mit zunehmendem Alter noch konzilianteren Zeichners, der aber, wenn er es für angebracht hielt, durchaus auch kritisch und bissig sein konnte. Hosemann- Zeichnungen fanden in jener Zeit Eingang auch in Glaßbrenners Hefte Buntes Berlin (insgesamt 13), in den »Komischen Volkskalender« und den »Jahreskalender«; er illustrierte 1848 dessen »Freie Blätter«. Natürlich ist längst nicht alles, was er in jenen Jahren zu Papier brachte, aus der unmittelbaren Zusammenarbeit mit Glaßbrenner entstanden. So erschienen von Hosemann Scenen aus den Märztagen in Berlin« in den Düsseldorfer Monatsheften. Er arbeitete auch für die Berliner Zeitschrift Charivari. Und er gehörte zum sogenannten Kladderadatsch - Kreis, traf sich mit seinen Freunden, zuvorderst dem Berliner Possendichter David Kalisch [1820–1872] und dem Zeichner Wilhelm Scholz [1824–1872] am Stammtisch, wobei er selbst überraschenderweise in dem Berliner Satire- und Witzblatt, dessen erste Nummer am 07 May 1848 erschien, nicht in Erscheinung trat.
     Beständig war über die Jahre hinweg Hosemanns Ruf als Illustrator gewachsen. Viele Aufträge hatten ihn inzwischen erreicht: für Kalender, Märchen, Rittergeschichten, Volkslieder, Alben, Fest-, Speise- und Tischkarten, die bei keiner Veranstaltung Berliner Vereine fehlen durften und deren Deutung großes Vergnügen bereitete. Ferner hat er Visitenkarten, Neujahrsglückwünsche und die verschiedensten scherzhaften Blättchen in zahlloser Menge bis an sein Lebensende illustriert bzw. gestaltet. Richtige Berliner Typen waren seine Sonntagsreiter, Sandbuben, Eckensteher, die Putzmacherin, Hökerin, Pflaumenverkäuferin, die Biertrinker, Weinkoster, Kegler, Gänsemädchen, Droschkenkutscher, Stiefelputzer, herumziehenden Musikanten, Zensoren, Bankiers, Zeitungsleser, Bürger- Gardisten, die Rehberger vom Mai 1848 oder die beim Stralauer Fischzug ausgelassen Feiernden und viele Figuren mehr. Nicht zuletzt schmückten schöne Zeichnungen von ihm vor allem in den 40er und 50er Jahren Werke der Literatur wie die deutsche Übersetzung des Schauerromans Die Geheimnisse von Paris von Eugène Sue, die abenteuerlichen Geschichten des Barons von Münchhausen, Immermanns »Tulifäntchen«, »Peter Schlehmils Heimkehr« von Friedrich Förster, Erzählungen und Phantasiestücke von E. T. A. Hoffmann, Andersens Märchen, um nur einige der wichtigsten zu nennen. Theater und Ballett interessierten ihn lebhaft. Schauspielerinnen und Schauspieler, darunter auch den vielseitig begabten Komiker, Hofschauspieler und Schriftsteller Louis Schneider [1805–1878], hat er in verschiedenen Rollen und Kostümen dargestellt; er entwarf Figurinen, ersann Bühnenbilder und Dekorationen. Hosemann wurde so populär, daß er bald für die Berliner der Zeichner schlechthin war. Liebevoll skandierten sie: Was man nicht deklinieren kann, ist meistens immer Hosemann.
     Beruflich ist es somit in der langen Berliner Zeit immer besser gelaufen. Das Leben wurde wesentlich sorgenfreier, auch wenn ihm so manche schmerzliche Stunden nicht erspart blieben. 1849 starb seine Frau Henriette Wilhelmine, ein Jahr darauf heiratete er Bertha Heimbs. Eine junge Frau aus einer wohlhabenden Familie. Aus jeder der beiden Ehen entstammten drei Kinder, von denen jedoch nur ein Sohn das Erwachsenenalter erreichen und ihn überleben sollte.
     1857 wurde Theodor Hosemann zum Professor ernannt und drei Jahre später zum Mitglied der Berliner Akademie der Künste berufen. Gleichzeitig fungierte er auch als Lehrer an der königlichen Kunstschule. Wer zu ihm in den Unterricht kam, schwärmte in der Regel für den ruhigen, ausgeglichenen, auch auf die Eigenheiten der Lernenden eingehenden Lehrer. Der junge Heinrich Zille (1858–1929) wurde sein berühmtester Schüler. In einem Brief von Anfang Dezember 1903 an den Berliner Schriftsteller Georg Hermann (1871–1943) hat Zille später einmal seine Freude über dessen ihm zu Gesicht gekommene Artikel zu Hosemann und Glaßbrenner ausgedrückt. Herzliche Verehrung für Theodor Hosemann verraten seine in diesem Brief enthaltenen Äußerungen: Bin
selber bei Hosemann etwas in die Schule gegangen, habe den alten Herrn gut gekannt, es ist mir oft vergönnt gewesen, seine Zeichnungen zu sehen, die alle peinlich nach Rang und Ordnung in einem großen Schrank lagen ... Sehr gefreut hat es mich, daß Sie den lieben alten Herrn aus der Vergessenheit gerissen, daß Sie mich aber mit zu seinen Nachfolgern rechnen, ist gewagt, denn wir Neueren reichen ihm nicht das Wasser.« Zille hat noch des öfteren, so auch in einem Lebenslauf 1924 für die Akademie der Künste nach seiner Aufnahme, beschrieben, wie er »die Woche zweimal abends in den Unterricht zum alten guten Professor Hosemann in die Kunstschule« ging, »die damals in der Akademie war«, und wie dieser ihn im Atelier in seiner Wohnung, Louisenstraße, dicht am Neuen Tor, gern seine Skizzen und Zeichnungen ansehen, die Blätter mit nach Hause nehmen und auch abmalen ließ, bald aber sagte: Gehen Sie lieber auf die Straße 'raus, ins Freie, beobachten Sie selbst, das ist besser als nachmachen. Was Sie auch werden – im Leben können Sie es immer gebrauchen; ohne zeichnen zu können, sollte kein denkender Mensch sein!
     Theodor Hosemann ist am 15 October 1875 gestorben. In seinen letzten Jahren genoß er neben fortgesetzter unermüdlicher Arbeit die Freuden häuslichen Glücks mit Frau und Sohn. Und gewiß hätte er mit Schmunzeln wahrgenommen, wie sehr ein Zille den ihm erteilten Rat, zumal dessen ureigensten Intentionen absolut entsprechend, später in die Tat umgesetzt hat. Hosemann selbst konnte und wollte sich, darob mitunter von einigen Zeitgenossen zuletzt auch etwas belächelt, mit dem sich inzwischen rasant entwickelnden Metropolen- Moloch kaum mehr anfreunden. Er blieb in den letzten Lebensjahren derjenige, der er stets gewesen ist – ein Humorist des vorherigen Berlins und Verherrlicher der Mark. Sein Grab befindet sich in Berlin-Mitte, auf dem Friedhof der Sophiengemeinde in der Bergstraße. Seinen Namen trägt seit 1910 eine Straße im Nordosten Berlins, im Stadtbezirk Prenzlauer Berg.
Sandfuhrmann in der Mark (1855 print; 800x1109pix _ ZOOM to 1400x1941pix)
Bildnis einer jungen Frau aus adligen Kreisen, Ehrendame des bayerischen Theresienordens. Büste, nahezu en face und den Beschauer anblickend. Öl auf Leinwand, links monogrammiert und datiert "TH (1847, 30x25cm; 500x424pix, 23kb) _ Hosemann war hauptsächlich als Genremaler und Lithograph tätig. Als Zeichenlehrer der Kinder des Intendanten Graf Brühl fand er Zugang zu den höchsten Kreisen in Berlin. In seiner Bilderwelt fand allerdings das Berliner Kleinbürgertum weit mehr Beachtung. Da der bayerische Theresienorden auch an nichtbayerische adlige Damen verliehen wurde, könnte es sich bei der Dargestellten durchaus um eine Berlinerin handeln.

^ >1756 Bénigne Gagneraux, in Dijon, French painter and engraver who died on 18 August 1795 in Florence. — He was one of the most important artists to emerge from François Devosge’s school of art in Dijon. His reputation, like that of his fellow Dijonnais artist Pierre-Paul Prud’hon, is based on a number of Neo-classical works of a pleasingly poetic character, which Devosge had encouraged. In 1776 he became the first artist from the Dijon art school to win the Prix de Rome with his painting of an uplifting moral subject, Manius Curius Dentatus Refusing the Presents of the Samnites. The Dijon academy was very quickly recognized as one of the most important outside Paris. As a student there Gagneraux was directed towards examples from antiquity, the Italian Renaissance and the work of Poussin. During his four-year study period in Rome (1779–1781) he worked on a copy of Raphael’s School of Athens to fulfil his obligation to the States of Burgundy which sponsored him.
     He spent most of his life in Italy, working in the company of Anton Raphael Mengs, Johan Tobias Sergel and Henry Fuseli in the 1770s and with Antonio Canova, Gavin Hamilton, Goethe and Jacques-Louis David in the 1780s. In 1784 he was recognized as an artist of exceptional talent by Gustav III of Sweden, who visited Gagneraux’s studio and bought the large painting Blind Oedipus Commending his Family to the Gods. This subject, which was subsequently taken up by many painters, was unusual for its time. David, however, had produced Blind Belisarius Begging for Alms in 1781, which was similar in subject, sentiment and style.
     In common with contemporary history painters in Paris, Gagneraux showed an interest in dramatic subjects, clear and legible gestures and expressions and stark, austere settings. Oedipus was a turning-point in his career. As a direct consequence of the picture’s success, he began to receive commissions from the King of Sweden and members of the court circle. One of the first of these was for a group portrait commemorating L'Entrevue de Gustave III avec le Pape Pie VI dans le Musée Pio Clementino. It was completed on 05 March 1785 and a copy, commissioned by the Pope, was done in 1786. It displayed Gagneraux’s competence as a portrait painter and his ability to mass a large group on a grand scale. He took certain liberties with the architecture in an attempt to idealize it and with the positions of the main figures, which imitated those of the most revered antique statues shown in the background. This imaginative reconstruction of a solemn occasion, in which there was no attempt at absolute historical accuracy, was characteristic of Gagneraux’s approach. There is a duality in Gagneraux’s works, disciplined studies from Egyptian statues and Greek vases in his notebooks were given as much attention as the paintings of more imaginative, fantasy subjects, such as The Magician (1795) or Phaethon Terrified by the Sign of the Lion (1795). The Phaethon is interesting not only for the surprisingly dynamic movement and rich, intense coloring but also for the unusual experimental technique employed. It is painted on gilded paper and laid down on panel, producing exciting light effects in certain areas.
L'éducation d'Achille (1785, 97x125cm; 387x500pix, 40kb) _ This painting is the prime version of a composition which is also known through another version (of 1787). Il représente l'éducation d'Achille porté sur son maitre le centaure Chiron qui poursuit un tigre.
Le génie des arts (1789; 320x246pix, 17kb) — (050923)

^ >1755 Robert Jacques François Faust Lefèvre, French painter who died on 03 October 1830. He was the son of a Bayeux draper and originally worked as a law clerk before learning to paint, possibly in the studio of Pierre de Lesseline in Caen. Lefèvre quickly made a reputation for himself and established a sizeable practice in Normandy. About 1784 he went to Paris and entered the studio of Jean-Baptiste Regnault, where he formed a close friendship with the artist and critic Charles-Paul Landon. He made a name with mythological subjects and was soon, rather over-hastily, being compared as a portrait painter to David and Gérard by his contemporaries. After Napoleon came to the throne Lefèvre was entrusted to paint state portraits of the Emperor and his family. — LINKS
Napoleon I in his Coronation Robes (1812, 251x191cm, 1200x921pix, 145kb)
Princess Pauline Borghese (1808, 214x149cm; 1296x900pix, 141kb) _ Lefèvre probably painted Napoleon's favorite sister Marie-Pauline [1780-1825] more frequently than any other artist, although we are more familiar with her in the work of the Parisian painter Bosio and in Canova's generous rendering of her as Venus Victrix. After two earlier marriages Pauline married Prince Camillo Borghese in 1803. Lefèvre's representative portraits this one, showing her as Princess Pauline Borghese, in her robe of state.
Pauline as Daphne Fleeing from Apollo (1810, 119x105cm; 1124x1050pix, 146kb) _ This painting shows the princess, who had a great zest for life, as a mythological figure. The subject gave the artist the opportunity to display his talents both as a portrait painter and as master of the mythological subject. But that also shows that the Baroque tradition of allegory was not entirely broken. The landscape in the painting suggest Arcadia, but the Tempietto at Tivoli also documents the Princess' new domain. The figures look as if they are floating, the fluttering cloths form sharp-edged bunches, and Daphne's light feet are like those of a ballet dancer. It is a feature frequently to be found in Lefèvre's work.
Letizia Bonaparte, née Ramolino, Madame Mère (1813; 600x382pix, 51kb _ ZOOM to 2475x1576pix, 397kb) _ Corsican Maria Letizia Ramolino [24 Aug 1750 — 02 Feb 1836] married attorney Carlo Buonaparte [29 Mar 1746 – 24 Feb 1785] on 02 June 1764. She gave up naming her daughters Maria Anna after the first three died before reaching their first birthday. She named her first child, a boy, Napoleone, but he died on 17 August 1765, only a few months old. After a Giuseppe [07 Jan 1768 – 28 Jul 1844], she named her third son Napoleone [15 Aug 1769 – 05 May 1821]. This one is the reason she is remembered at all and got her portrait made: he attended French military schools from 15 May 1779 until his September 1785 graduation as 1st lieutenant of artillery. He became the best general of the French Revolution, Frenchified his name to Napoléon Bonaparte + ZOOM IN +(some time before 28 March 1796), seized power in a coup on 09 November 1799, and crowned himself Emperor Napoléon I on 02 December 1804, which made Letizia “Madame Mère” (though she never learned French).
Woman with a Lyre (1808, 113kb) not to be confused with the much more recent Woman with a Liar [click on image for full picture >], of which there is also a different version.
Jean-Baptiste-Claude Odiot (1822, 157x123cm) _ Odiot {a combination of the words “odieux” and “idiot”?} was one of the most celebrated European goldsmiths of the period. His work was sought by courts throughout Europe. He created table services for the nobility of France, Naples, Poland, Germany, and Russia, including the czar.
Un Citoyen Français (800x578pix, 72kb) —(060923)

^ 1623 Joris van Son, Dutch painter who died on 25 June 1667. He was a follower of Jan Davidszoon de Heem [1606-1684] in Antwerp. De Heem was one of the rare Dutch artists who captured some of the exuberance of Flemish Baroque painting, and soon after he settled in Antwerp in the 1630s his coloristic splendor rivals that of the native Flemings. Joris van Son successfully adopted his compositional schemes and style.
Still-Life with Cheese (1655; 802x1108pix, 115kb)


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