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ART “4” “2”-DAY  13 May v.7.40
^ Born on 13 (12?) May 1867: Sir Frank William Brangwyn, English painter and graphic artist who died on 11 June 1956. His students included Karl Albert Buehr and Bernard Leach.
— Largely self-taught, he helped his father, William Brangwyn, who was an ecclesiastical architect and textile designer in Bruges. After his family moved to England in 1875 Brangwyn entered the South Kensington Art Schools and, from 1882 to 1884, worked for William Morris. Harold Rathbone and Arthur Mackmurdo encouraged him to copy Raphael and Donatello in the Victoria and Albert Museum, complementing his already broad knowledge of Dutch and Flemish art.
— Frank Brangwyn, the son of an English architect, was born in Bruges, Belgium. When Frank was ten his family returned to London. He was apprenticed to William Morris for four years and afterwards traveled widely [and wildly?]. As well as working for The Graphic and The Idler, Brangwyn illustrated several books including Collingwood (1891), The Captured Cruiser (1893), The Wreck of the Golden Fleece (1893), Tales of Our Coast (1896), The History of Don Quixote (1898) and A Spiced Yarn (1899). By the early 20th century Brangwyn had a reputation for large pictures painted in a realistic style. He also designed furniture, carpets, textiles, ceramics, stained glass, metalwork and jewellery. During the First World War Brangwyn was an Official War Artist. In 1925 Brangwyn was commissioned to paint a set of wall paintings for the House of Lords. These were competed and rejected in 1930. This included the impressive war picture, Tank in Action. Offers for the murals came from all over the world but they were eventually installed in the Guildhall in Swansea.

Suzanna and the Elders (120x158cm)
Le marché aux esclaves (1921)
Tank in Action (1926, 366x376cm) _ The work of Brangwyn is that of an artist who made large formats and brutal realism his personal hallmark. Paying great attention to detail in his skillful stagings of attacks, he composed pictures whose dimensions and composition seek a spectacular effect. In 1924, he was commissioned to do a set of wall paintings for Westminster Palace, including this one, where his expressionism was found unacceptably morbid for the official building it was painted for.
^ Died on 13 May 1695: Pierre-François Mignard I “le Romain”, French Baroque painter born on 17 November 1612.
— Pierre Mignard, influenced by training in Italy, became the most outstanding portrait painter of his generation; his career was to some extent hampered by the opposition of the Académie Royale de Peinture et de Sculpture in Paris and Charles Le Brun, and reached its high point when he succeeded the latter as Premier Peintre du Roi.
— Pierre Mignard studied first under Jean Boucher in Bourges, then copied the 16th-century decorations at the château of Fontainebleau by Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio and other artists. He later went to Paris, where in 1633 he entered the studio of Simon Vouet, the most prominent representative of the Italian Baroque style in France. There he formed a lasting friendship with the painter and, later, writer Charles-Alphonse Dufresnoy. Towards the end of 1635 Mignard left Paris for Rome, staying in Italy until October 1657. Monville, his first biographer, recorded several portraits painted in Italy, as well as some large religious compositions, including a Saint Charles Giving Communion to the Dying (1677). Only two portraits are known to survive, those of The Ambassador of Malta to the Holy See: Commandeur Des Vieux (1653) and A Man presumed to be Senator Marco Peruta, which was painted during Mignard’s stay in Venice in 1654. Both portraits already show the quality that was to make Mignard one of the outstanding portrait painters of his time: the ability to catch a vivid and natural likeness, in contrast to the stern stiffness of earlier 17th-century French portraiture.
— Much better known than his brother Nicolas Mignard “d'Avignon”, [07 Feb 1606 – 20 Mar 1668], Pierre Mignard “le Romain” was the rival of Le Brun but an exponent of the same Academic theories. Like Le Brun he was a student of Vouet, but he went to Rome in 1636 and remained there until 1657, forming his style on the approved models of the Carracci, Domenichino and Poussin. He returned to Paris on the orders of Louis XIV and decorated the dome of the Val-de-Grâce (1663), but his principal importance was as portrait painter to the Court. He revived the earlier Italian type of allegorical portrait, and a good example is the Marquise de Seignelay as Thetis (1691). He was strongly opposed to the Académie Royale, and, in spite of his own stylistic origins, championed the Venetian or 'colorist' school; this, however, was probably only to oppose Le Brun. When Le Brun died in 1690 Mignard was at once made Premier Peintre, and, on the King's orders, the Academy had, in a single sitting, to appoint Mignard Associate, Member, Rector, Director, and Chancellor of the body he had so long opposed.
— Among his students were de Poilly, Jacques-Philippe Ferrand, Nicolas Vleughels.

Self-Portrait (173kb)
Clio (1689, 144x115cm) _ The Mignards followed the style of the Bolognese painters, especially that of Domenichino. On this painting Clio, the Muse of the historians, is a direct descendant of Domenichino's saints, in a somewhat more theatrical way.
Perseus and Andromeda (1679, 150x198cm) _ Ovid tells how Andromeda, daughter of an Ethiopian king, was chained to a rock by the seashore as a sacrifice to a sea-monster. Perseus (the son of Danaë whom Jupiter caused to conceive after turning himself into a shower of golden rain) flying overhead on Pegasus, the winged horse, fell in love at first sight. He swooped down just in time, slew the monster and released Andromeda. The picture represents the moment following the freeing of Andromeda.
The Marquise de Seignelay and Two of her Children (1691, 194x155cm) _ Pierre Mignard, known in his native France as Le Romain, lived in Rome from 1636 (visiting Venice and other northern Italian cities in 1654-5) until summoned home by King Louis XIV in 1657. His style was largely based on Annibale Carracci, Domenichino and Poussin. However, he pretended allegiance to Titian and Venetian colorism on his return to France, mainly to oppose his rival Lebrun, whom he succeeded in 1690 as First Painter to the King and Director of the Royal Academy. Despite all his years abroad, his work looks to us unmistakably French, at least as relating to the France of the Sun King's court: calculated and grand. Hogarth's xenophobic English judgment, half a century later, might apply to this superb portrait: 'insolence with an affectation of politeness'. But Mignard was doing no more than following the wishes of his sitter, the widow of Jean-Baptiste Colbert de Seignelay, Minister for the Navy.
      Catherine-Thérèse de Matignon, Marquise de Lonray, veuve de Seignelay, instructed Mignard to portray her as the sea-nymph Thetis, to whom was said (according to Ovid's Metamorphoses XI, 221-3): 'O goddess of the waves, conceive: thou shalt be the mother of a youth who, when to manhood grown, shall outdo his father's deeds and shall be called greater than he.' Past writers have attributed Mme de Seignelay's transformation into a sea goddess to her husband's office, but it was shown that this passage from Ovid is the key to the portrait. Like Thetis, Mlle de Matignon, of old Norman nobility, had been married off against her will to a social inferior: Colbert, her husband's father and the great Minister of the King, was the son of a draper. The goddess's husband, Peleus, had to rape Thetis to 'beget on her the great Achilles', the most celebrated Greek hero of the Trojan War. 'The hero's mother, goddess of the sea, was ambitious for her son' and by descending into the fiery crater of Etna, the volcano seen here smoking in the background, obtained for him armor made by Vulcan, the blacksmith god. This is the armor, 'work of heavenly art', worn in the guise of Achilles by Marie-Jean-Baptiste de Seignelay, the eldest son for whom Mme de Seignelay had just bought a military commission.
      The painting's brilliant effect depends in large measure on the vast expanse of Thetis' best ultramarine-blue cloak, contrasting wonderfully with the coral and pearls in her hair, and the mauves and greens of Achilles' garments. Ultramarine was the costliest of pigments, more expensive than gold itself and for that reason seldom used by this date, and never in such quantities. Thus did Mme de Seignelay confound the rumors put about by 'mauvaises langues' that she was bankrupt. And there is more: other rumors circulated that the noble widow either was, or wished to be, mistress to the king. The Cupid proffering a precious nautilus shell brimming over with a king's ransom in jewels publicizes the liaison as a fait accompli. Thus might a classical education, and the talents of a Roman-trained and responsive artist, be put to insolent use 'with an affectation of politeness'.
The Heavenly Glory (1663) _ The Val-de-Grâce is one of the most important Baroque churches in Paris. It was designed by François Mansart, its dome follows the example of the Saint-Peter's in Rome. The circular fresco of the dome depicts the Trinity in Glory surrounded by saints, martyrs, and illustrious personalities. There are more then 200 figures in the composition including Queen Anne of Austria (the wife of Louis XIII), founder of the church.
Vierge à la Grappe (1645, 121x94cm) _ Compare
      _ Madonna and Child with Grapes (1537) by Lucas Cranach the Elder.
The Mystical Marriage of Saint Catherine (1669; 233kb)
A Young Lady (1680; 178kb)
Girl Blowing Soap Bubbles (1674, 132x96cm)
^ Born on 13 May 1855: Ludwig Deutsch, Austrian French academic painter who died in 1935, specialized in Orientalism.
— Deutsch, a painter of incredible skill is much more appreciated now than he was in his own lifetime. He studied first in Vienna and then, under Jean-Paul Laurens, in Paris, becoming a citizen of France in 1919. He made numerous trips to the Middle East and spent some time in Cairo. He painted scenes of both ordinary and religious life.
— Deutsch, né autrichien, sera naturalisé français en 1919. Il étudie la peinture d'histoire auprès de Feuerbach. Il tente en 1877 d'entrer dans la classe de Leopold Carl Müller qui le refuse. Il rejoint alors à Paris d'autres peintres de sa génération comme Rudolf Ernst. Il rompt alors tout contact avec l'Autriche. Il étudie avec Laurens et participe au Salon de 1879. Vers 1885 il possède plusieurs ateliers à Paris. Sa production est intense. Il peint aussi bien des sujets de groupe que des personnages isolés dans la manière naturaliste. Médaille d'Or au Salon de 1900, il accumule les récompenses. Il n'a quasiment pour seul ami que Rudolf Ernst auquel, dit-on, il rend visite chaque jour jusqu'à la mort de Ernst. Il fait plusieurs voyages en Egypte en 1886, 1890 et 1898 dont les scènes quotidiennes l'inspirent presque exclusivement pour ses tableaux orientalistes mais il en a probablement effectué d'autres, peut-être pendant la première guerre mondiale, époque pendant laquelle il disparaît de Paris. Ses tableaux montrent une minutie dans les détails (décors, costumes, tissus, etc...) particulièrement poussée, il s'aide en cela de photographies réalisées par des ateliers établis au Caire.

Jeu d'échecs (1896, 55x42cm _ ZOOMable)
Le garde du palais (1892, 133x84cm _ _ ZOOMable) _ detail ( _ ZOOMable) _ auctioned at Christie's in New York on 01 November 1999 for $3'192'500. _ Un tel tableau, peint à la croisée de l’orientalisme et du style pompier, n’aurait valu que quelques centaines de milliers de francs une vingtaine d’années plus tôt.
Le garde Nubien (1895, 50x33cm)
At Prayer
L'écrivain public
Le Fumeur
Le musicien (55x39cm)
The Prayer at the Tomb (1898). _ This image attests to Deutsch's beautiful color palette and attention to detail. The setting is a tomb within the Blue Mosque in Cairo, dating back to 1346. As with many of the Orientalists Deutsch recorded the beautiful architecture of the Middle East.

Died on a 13 May:

^ 1625 Anton Mozart, German painter and draftsman born in 1573. — {Would you say that his art is music for sore eyes?}— The son and student of Christoph Mozart II [–1590], a craftsman painter, he may have visited Venice and Treviso in the 1590s. The stylistic proximity to the Frankenthal school or Frederik van Valckenborch [1570–1623] of his earliest landscape, the Sermon of John the Baptist (1602), is due more to common period factors than to any direct influence. In 1598 Mozart became a master in Augsburg, where he remained except for short journeys. He painted small-format cabinet pictures and repository pieces, mostly on copper or wood, occasionally on alabaster or lapis lazuli. His verified works comprise only about 25 paintings and miniatures, a similar number of drawings and a few pages for dynastic albums, often with the distinctive monogram A under M, and the date.
View of a Seaport (1600, 30x22cm; 700x510pix, 239kb) _ This painting has the monogram TIMHF and it has been attributed also to Jakob Ernst Thomann von Hagelstein, which is probably wrong.

Born on a 13 May:

^ 1896 Auguste Mambour, Belgian expressionist painter who died on 30 October 1968. Auguste Mambour, né à Liège, a très tôt découvert sa vocation d’artiste. Ses talents de dessinateur et surtout de portraitiste apparaissent déjà alors qu'il est étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Liège (1913-1919). Après un voyage à Paris et une première exposition, il s'installe comme agent en publicité et en décoration. Membre du groupe Envol (1920), Mambour fait scandale (1921). Son orgueil dérange. Ses toiles choquent. Les hommes et les femmes qu'il représente ont des formes sculpturales. En peu de temps, il passe d'une période fauve hachurée à un expressionnisme plein.      Second Prix de Rome 1922, contrairement à l'habitude qui veut que l'on se rende en Italie ou en Grèce, Mambour décide d'apprendre l'art nègre : il part six mois au Congo afin de retrouver un primitivisme dont le monde occidental avait perdu jusqu'à la trace (1923). Pas plus qu'il n'avait peint le paysage wallon, il ne peindra le paysage congolais. Il rend les seuls gestes les plus quotidiens ainsi que des têtes et des bustes. Loin de persévérer dans une veine africaine, Mambour se lance dans une série de nouvelles toiles qui déroutent et scandalisent par leur présentation de corps ou parties de corps jugées érotiques. Il entreprend ensuite de rompre petit à petit avec sa manière de représenter la réalité (1924-1926) : il en arrive ainsi à adhérer au surréalisme (1926- 1929). Mais au moment où Magritte devient une référence, Mambour lui, isolé, découragé, cesse de peindre (1929) - ou du moins de se manifester - pendant plusieurs années.      Pour assurer sa subsistance, il fonde une nouvelle agence de publicité (1928-1935) et réalise de très belles affiches. Notamment pour la FN, où il travaille régulièrement (1929- 1932). En renouant avec le style des années 1923-1924, Mambour refait surface (1931) et est désigné comme professeur de dessin à l'Académie des Beaux-Arts de Liège (1931) puis nommé à titre définitif (1933). Nommé aussi professeur du cours d'art décoratif (1935), il enseigne jusqu'en 1945.      A la fin de la Seconde Guerre mondiale, le peintre déjà maudit va être honni. Arrêté (fin 1944), il est accusé et condamné à cinq ans de prison avec déchéance de ses droits pour avoir propagé des propos racistes et avoir collaboré avec l'ennemi en acceptant d'exposer en Allemagne. Libéré en 1947, Mambour connaît la misère. En 1963, à l'initiative de Marcel Florkin, l'APIAW organise une grande exposition rétrospective, la première depuis 1929, qui réhabilite quelque peu l'artiste.
— Il étudia à l'Académie des Beaux-Arts de Liège (1913-1919). Elève talentueux et créateur immédiatement sensible aux nouvelles tendances plastiques, il construit dès 1920 une œuvre moderne éminemment personnelle. Ses aînés, Van Gogh, Cézanne, Picasso, Braque, Matisse, ont brillamment redéfini les frontières de l’expression. Bien qu’il ne se reconnaisse pas dans l’art de la plupart de ces personnalités marquantes et bien qu’il évoque plus volontiers les maîtres anciens tels Micher-Ange et Rembrandt, Mambour se forge un style qui puise dans l’avant-garde qu’elle soit cubiste, expressionniste, futuriste ou encore surréaliste. Le premier artiste liégeois à visiter l’Afrique dans le but de découvrir une terre propice à renouveler ses sources d’inspiration est Auguste Mambour. Ses œuvres sont dès le début des années vingt peuplées d’êtres aux allures de primitifs. Second prix de Rome en 1922, il convertit le montant de sa bourse en un séjour de six mois dans la colonie belge du Congo. Délaissant Rome pour un pays encore épargné par les apports de la civilisation moderne, il pense trouver sur place l’essence même de l’humanité. En 1923, il ramène donc à Liège le fruit de son travail sous la forme de nombreux croquis et de peintures. Aux journalistes qui l’accueillent, il dira combien les vallées congolaises lui ont rappelé la vallée de la Meuse.
     A côté de vagues d’admiration, sa peinture est pourtant vite jugée scandaleuse à Liège. En effet, Mambour multiplie les audaces dans le courant des années vingt. Quelques œuvres à l’érotisme trop présent provoquent une descente du parquet à une exposition en vue d’une saisie. Son œuvre bouscule toutes les idées reçues. Elle libère l’expression des couches inutiles qui l’empâtaient jusqu’alors et des effets superficiels. Elle s’impose à la fois brute et sensuelle. Inscrite dans le style "Art déco" parce qu’elle utilise les nouvelles formes de l’Art moderne avec une grande volonté esthétique, elle offre une synthèse assez complète d’une époque de découvertes et d’expérimentations. Sa fascination pour les corps observés dans leur nudité le conduira à créer un type propre d’Africains. Il les a vus bleus, il les peindra verts. Ceux qui le suivent depuis ses débuts prometteurs sont à peine surpris parce qu’il s’est forgé un style très personnel de peinture où les personnages apparaissent comme sculptés dans la pierre ou encore coulés dans du bronze. Les attitudes hiératiques données aux Africains ainsi représentés entraîneront la reconnaissance quasi immédiate de son Art en tant qu’exemple d’une expression capable de restituer de manière juste l’âme noire.
     Le peintre s’approprie l’univers des formes prôné au début du siècle par les artistes avant-gardistes : le cylindre principalement mais aussi le cube, le cône, la sphère. La critique le qualifie alors de "rondiste" parce qu’il pratique un art inspiré par le cubisme, un art où les volumes arrondis deviendront plutôt que les cubes les modules récurrents d’une reconstruction humaine. Le raccourci, le souci de synthétiser les courbes de la structure corporelle le poursuivent dans son travail jusqu’à ce qu’il ait le sentiment de pouvoir offrir au spectateur un sujet épuré d’une totale harmonie de lignes. Il crée une humanité idéale en l’élevant jusqu’à une utopique perfection. Des êtres clonés peuplent des décors nus et provoquent chez l’observateur le sentiment de se trouver devant l’expression d’une étrange universalité. Pendant une carrière qui s’étale sur une quarantaine d’années, l’artiste répètera le modèle africain sans revisiter le continent noir ce qui confère à ses œuvres une approche unique mais une approche essentiellement imaginaire, celle d’une Afrique rêvée plus qu’une Afrique réelle.
     En octobre 1929, Mambour entre au service publicité de la Fabrique Nationale de Herstal et il collabore à la FN Revue.Il crée alors ce qui est considéré comme son chef-d’œuvre en publicité, l’affiche du Raid du Cap. Celle-ci représente deux voitures qui traversent un profil de noire particulièrement épuré. En 1933, il peint un tableau intitulé Le Nu de Fer qui nous fait admirer la nudité parfaite d’une noire se découpant sur le paysage de Liège. L’artiste parvient à une très grande profondeur d’interprétation du sujet sur lequel se dégage une étrange beauté. La critique de La Meuse ne tarira pas d’éloges lorsqu’elle évoquera cette œuvre. 1934 est l’année où Mambour reçoit de l’Union liégeoise du Livre et de l’Estampe, la commande d’un travail qui lui permet à nouveau de se souvenir de l’Afrique. Il s’agit d’illustrer les Récits du Congo de Joseph Conrad. Il réalise des illustrations d’une grande maîtrise technique mais on ne retrouve pas la puissance première des œuvres peintes ni la spontanéité de ses croquis. En 1939, l’artiste se voit confier la décoration du hall d’entrée du Palais du Congo belge à l’occasion de l’exposition internationale de l’Eau à Liège. La guerre met un point final à son inspiration "africaniste". Il lui préfère la création d’êtres au type original dont il a le secret, des êtres stéréotypés. Son style le distingue de toutes les productions locales. Mambour y trouve difficilement sa place alors qu’il affiche un talent énorme. Cette situation contribue à l’isoler. Son caractère entier et son individualisme feront le reste, le rendant solitaire et pourtant incontournable.
     Le 08 novembre 1944, Auguste Mambour est condamné par le Conseil de guerre de Liège L’artiste est accusé de deux chefs:
1. "Avoir sciemment favorisé les desseins de l’ennemi" . Il est incriminé de racisme et d’antisémitisme. On lui reproche d’avoir créé la section locale de la Ligue de la race et du peuple, d’avoir été membre pendant quatre mois de l’AGRA (Amis du Grand Reich Allemand), et ensuite de la communauté culturelle wallonne, d’avoir diffusé des idées nazies au sein de l’Académie,
2. "Avoir dénoncé le peintre Jacques Ochs" [1883-1971], juif (baptisé protestant), directeur de l’Académie et conservateur du musée des Beaux-Arts, arrêté en 1940 pour avoir caricaturé "Hitler aux mains rouges" dans le Pourquoi pas., relâché sous condition en 1942, puis à nouveau arrêté par les nazis, en 1944, condamné à mort, et libéré in extremis par des troupes britanniques.
     Mambour est condamné à cinq ans de prison, à la confiscation de ses droits civils et politiques, à une amende de 600'000 francs et à la privation de ses biens. Ce jugement est confirmé en Cour d’Appel le 13 janvier 1945. Mambour est incarcéré à la prison de Tournai puis transféré à Merxplaats d’où il sortira le 02 octobre 1947, un peu plus de trois ans avant la date officielle de sa libération. En 1950, l’amende qui lui est imposée sera réduite à 60'000 francs. En 1953, l’artiste retrouve ses droits et sera définitivement réhabilité le 27 Jun 1961, mais reste privé de sa pension.
     Après la guerre, l'artiste connaît un total dénuement, tant moral que matériel. Il reprend cependant ses pinceaux et réitère les sujets qui ont fait son succès avant la guerre : scènes de danse, maternité, gestes quotidiens … Il ne travaille plus ses œuvres, économie oblige, en couches superposées selon la technique du glacis, ce qui nécessite un temps de séchage entre les étapes d’application. Les peintures tardives de Mambour montrent une réalisation "d’un jet", obtenue en une seule séance très brève, les volumes apparaissent moins accentués que dans les oeuvres des années 30, lesquelles restituaient l’aspect du métal ou de la pierre. A la fin de sa vie, il s’avoue incapable de peindre comme jadis, de "refaire du Mambour". Il s’y emploie mais ses œuvres d’alors ne sont que des redites qui pâlissent devant leurs modèles. Les grands sujets sont revisités avec moins de maîtrise. Mambour travaille encore avec les réflexes d’un virtuose. Sa peinture est fluide, diluée. Elle traduit un énorme talent de dessinateur. La fermeté, elle, a disparu au profit d’hésitations picturales et de doutes philosophiques. Mambour s’efface de la scène artistique en laissant aux jeunes générations une œuvre originale, émanation d’une personnalité artistique hors du commun.
Le Barrage des râles (1927, 147x114cm; 400x303pix, 34kb)
La broyeuse de manioc (1923, 100x100cm; 400x399 pix, 66kb) —(070512)

^ 1886 Carl Mense, German artist who died on 11 August 1965. He studied under Peter Janssen, Lovis Corinth, and Hans Olde. — {There was a German artist named Mense, / and he was just a little bit dense: / His paints were few but his canvas immense, / and of no use except as a fence.}{There may be rhyme, but there is no reason to believe the preceding statement}
Selbstbildnis (1919, 45x34cm; 544x400pix, 16kb)
A Street With Flags (1913, 62x52cm; 483x400pix, 36kb)
Abendliches Vorstadtbild (1931, 90x121cm; 444x600pix, 18kb)

1882 Georges Braque, French painter who died (full coverage) on 31 August 1983. —(050830)

^ 1857 Delphin Enjolras (or Enjorlas?), French painter who died in 1945. Delphin Enjorlas was born at Courcouron in the Ardèche. He had a formal artistic training studying under Jean-Léon Gérôme at the Beaux-Arts, and Dagnan-Bouveret. Early in his career, Delphin painted many landscapes. It soon became evident that his love was for painting women. He changed genres to young ladies illuminated by lamplight or back lighting. His subjects are often engaged in simple domestic pursuits such as reading, sewing, or flower arranging, although at times, he sought a more intimate portrayal. He became an exceptional painter of nude women. His mediums were oils and pastels.— LINKS
La Lecture près de la Lampe (73x54cm)
La Lettre (700x578pix, 80kb)
— a different La Lettre (1000x721pix, 1006kb)
A Nude Reclining by the Fire (70x51cm) same model, almost same pose, but without clothes and with different accessories. _ Nude by Firelight (71x51cm)
Le Bouquet
Les Lampions (59x73cm)
–- Après le Bal (1097x800pix, 65kb)
Un Moment de Reflexion
Young Woman Reading by a Window (56x46 cm)
–- La Limonade au Bord du Lac (915x1138pix, 87kb)
Le Soir Tranquille (60x73cm)
La Sieste (54x72cm; 472x636pix, 714kb) _ D'une extrême sensualité, ce tableau fait partie des toiles les plus érotiques de Delphin Enjolras dont la Femme constituait son inépuisable source d'inspiration Etendue sur une immense peau d'ours blanc recouvrant son lit, les cuisses à peine couvertes d'un voile, le modèle s'offre au regard du spectateur avec une insolente impudeur. La lumière tamisée, le chatoiement des étoffes, l'imposante cheminée à l'arrière-plan, contribuent à donner à ce tableau une ambiance parfaitement érotique. La blancheur et le confort de la peau d'ours invitent le spectateur à une douce sieste, mais les griffes et la gueule ouverte de l'animal ne sont pas sans évoquer l'appétit du modèle.... Cette luxuriante composition associée à l'impeccable maîtrise technique de l'artiste évoque l'ambiance des intérieurs de harems, qui à la fin du XIXème siècle, fascinaient les occidentaux. —(070512)

^ 1853 Adolf Richard Hölzel, German painter who died on 17 May 1934 (and thus avoided the worst of another, later Austrian-born painter named Adolf). While still at school he became familiar with lithography and printing methods with the intention of joining his father’s thriving publishing firm. His later decision to study art eventually met with his father’s approval, and from 1876 until 1879 he trained at the Akademie der Bildenden Künste, Vienna. In 1879 he transferred to the Akademie der Bildenden Künste in Munich, where until 1881 he continued his training under Carl Barth and Wilhelm von Diez [1839–1907]. After a study tour with the German painter Arthur Langhammer [1854–1901] he returned to Munich to paint. — Among his students were Willi Baumeister, Camille Graeser, Ludwig Hirschfeld-Mack, Theodor von Hörmann, Johannes Itten, Otto Meyer-Amden, Oskar Schlemmer, and Emil Nolde [07 Aug 1867 – 13 Apr 1956], who also did his early work, to 1912, in Hölzel's studio.
Untitled (1930, 18x23cm; 369x450pix, 64kb)
— (Undeserving of a title) (240x299pix, 19kb)

^ 1830 Edouard Alexandre Sain, French artist who died on 27 June 1910 (not in the way mentioned next). — [There was a French artist named Sain / who of critics had enough, / so he went to the Pont-Neuf, / jumped off, and thus died in Seine.] — Elève de François Picot et de l'école des Beaux-Arts de Paris. Il débute au Salon de 1853 avec une Vénus et l'Amour puis se tourne vers la peinture de genre, les portraits, les sujets italiens. On lui connait des paysages orientaux. Il expose aussi à la Société Nationale des Beaux-Arts dont il a été l'un des membres fondateurs. Il a longtemps séjourné en Italie, notamment à Capri.
Visite de l’Empereur et de l’Impératrice à la crèche de Sœur Rosalie (1855; B&W image) _ La révolution industrielle a entraîné tout au long du XIXe siècle une diminution du nombre des petits artisans, de plus en plus remplacés par des ouvriers à mesure que se multipliaient les usines. En 1866, on dénombrait environ 3 millions d’ouvriers. Leur longue journée de travail – officiellement elle est de 11 heures à Paris et de 12 heures en province – leur valait à un piètre salaire. Confrontés à des prix qui avaient augmenté plus vite que leurs revenus, beaucoup de ménages d’ouvriers et de petits employés, surtout à Paris, ne parvenaient pas à équilibrer leur budget. Dans la capitale, la « haussmannisation » avait relégué nombre d’entre eux dans les faubourgs et dans d’importantes villes ouvrières aux logements souvent étroits et insalubres. L’atelier était « souvent un palais à côté de la chambre qu’habitait le travailleur » (E. Levasseur, Histoire des classes ouvrières et de l’industrie en France depuis 1789), et le cabaret était le refuge de ces ouvriers. Outre les ouvriers, la société recelait bien d’autres malheureux encore : malades, infirmes, vieillards impotents, enfants abandonnés… dont beaucoup étaient recueillis dans les hôpitaux, les hospices et les crèches de l’Assistance publique. Le Second Empire a eu à cœur de développer ou de créer de telles institutions. Les malades, par exemple, n’étaient plus abandonnés à leur sortie de l’hôpital : deux maisons de convalescence furent créées en 1855 près de Paris, l’une à Vincennes pour les hommes, l’autre au Vésinet pour les femmes. Les indigents bénéficiaient quant à eux des bureaux de bienfaisance. Comme les autres communautés religieuses, l’Eglise catholique, notamment la société de Saint-Vincent-de-Paul, faisait preuve d’un grand dévouement : création de crèches, d’écoles, de patronages, de fourneaux économiques, de caisses de loyers, distribution de secours en nature et en argent
     Cette œuvre témoigne du bonapartisme social et humanitaire de Napoléon III, auteur, rappelons-le, de L’Extinction du paupérisme paru en 1844. Pour l’empereur, la croissance économique avait pour but d’améliorer le sort du plus grand nombre. Mais faute de suffire à assurer le bien-être de la classe laborieuse, cette expansion devait être accompagnée de mesures concrètes dont certaines relevaient de la philanthropie, de la charité organisée ou de l’assistance aux plus démunis. D’où les nombreux dons auxquels procédait l’empereur lors de ses voyages en province ainsi que les œuvres – crèches, orphelinats, asiles – patronnées par lui, sa famille et son épouse, Eugénie ayant fondé ou apporté son soutien à plusieurs organisations philanthropiques. C’est ainsi qu’a été créée en 1862 la société du Prince impérial, organisme de prêts sur l’honneur dont les crédits étaient destinés à aider les familles momentanément dans le besoin ou à permettre à des personnes modestes d’acquérir leurs instruments de travail. Ces prêts ont favorisé, par exemple, l’installation de médecins cantonaux, afin de faciliter l’accès des paysans aux soins médicaux. L’œuvre sociale de Napoléon III a donc été bien réelle, mais l’empereur n’a eu néanmoins ni le temps ni les moyens de mener à son terme une législation sociale conforme à ses ambitions.
     Le tableau d’Edouard Sain ne met pas en lumière un acte de charité individuelle, mais la visite officielle des souverains dans une institution caritative qu’ils encouragent et soutiennent de leurs deniers. La toile représente le couple impérial à la crèche de sœur Rosalie. Au centre de la composition, deux petites filles, poussées en avant par sœur Rosalie, offrent une corbeille de fleurs à l’impératrice. L’empereur se tient aux côtés de la souveraine. Cette crèche est une institution charitable créée par la société de Saint-Vincent-de-Paul et dirigée par sœur Rosalie, de son vrai nom Jeanne-Marie Rendu [1787-1856], sœur de Saint-Vincent-de-Paul.

^ 1813 Karl Girardet, Swiss painter and engraver who died in 1871. He was the son of engraver Charles-Samuel Girardet [1780–1863] and the brother of the painters and engravers Édouard-Henri Girardet [31 Jul 1819– 05 Mar 1880] and Paul Girardet [1821–1893]. Karl Girardet studied painting in Paris. In 1844 he and his brother Édouard were commissioned by the Musées Nationaux de Versailles to travel to Egypt to paint a historical scene from the Crusades.
Vue de la mosquée El Moyed au Caire (1841, 23x19cm; 678x500pix, 49kb)
Washer Women by a Riverbank (21 1/2 x 36; 349x600pix, 17kb)

^ 1768 Willem-Bartel van der Kooi
, Dutch artist who died on 14 July 1836. — [If he had changed his last letter from i to l, that would've been Kool.] — Kooi, Willem Bartel van der (b Augustinusga, 13 May 1768; d Leeuwarden, 14 July 1836). Dutch painter and teacher. He came from a family of civil servants, but from an early age he showed an interest in drawing and painting. At 12 he took lessons with local house painters, and after 1783 his father sent him to Johannes Verrier, an amateur painter in Leeuwarden who had been a student of Jan Maurits Quinkhard. After the revolution of 1795 van der Kooi, a patriotic supporter of the Batavian Republic, was elected Representative of the People of Friesland. In 1798 he was appointed the first Lecturer in the Art of Drawing at Franeker University, although drawing had been part of the university’s programme since 1744—mainly for the benefit of students of medicine and mathematics. He reorganized the drawing classes according to the traditional academic pattern, and he seems to have taken considerable trouble to make the latest French prints available to his students. However, his attempts to establish a full-scale art academy were unsuccessful. In 1804 he visited the Academy of Art and Elector’s Gallery in Düsseldorf, where he made copies after Anthony van Dyck and Domenico Fetti. In 1808 van der Kooi won the prize for the best genre painting, which Louis-Napoleon offered at the first National Art Exhibition in Amsterdam, with his Lady Taking a Letter from her Servant (1808), and through this award he became known outside Friesland.

^ 1597 Cornelis Schut I, Antwerp painter, draftsman, and etcher, who died on 29 April 1655. — [Is identification of his works an “oh pun” and Schut case?] — In 1618 or 1619 he became a member of the Guild of St Luke in Antwerp. The influence of Abraham Janssen is evident in the early Adoration by the Magi, but whether Schut was a student of Janssen is open to question. From 1624 to 1627 he was in Rome, where he was a founder-member of the Schildersbent (the group of Netherlandish artists active in Rome at that time). Schut worked there under the patronage of the Flemish merchant Pieter de Vischere, whose country house at Frascati Schut decorated with mythological scenes. Schut must also have belonged to the circle of Vincenzo Giustiniani in Rome; two of his early works, the Adoration mentioned above and the Massacre of the Innocents were in Giustiniani’s collection. During these years Schut also painted small-scale works depicting allegorical and mythological themes, perhaps intended for the open market. In 1628 he was in Florence, where he designed tapestries for the Arazzeria Medicea. Schut adopted, and retained throughout his career, the new High Baroque style of painting, developed in Italy after 1625 under the influence of such artists as Pietro da Cortona [01 Nov 1596 – 16 May 1669]. Features of this style include a strong sense of animation and pathos, in which light and color play a major role. Elements of late Mannerism are also evident, and Schut’s style, which is characterized by fierce foreshortening, sharp light contrasts and extreme facial expressions, bears some affinity with the work of Federico Barocci, which was important in the evolution of Baroque painting.
Malevich, left, with Khardzhiev

^ Happened on a 13 May:

2003 The Solomon R. Guggenheim Museum in New York opens an exhibition of paintings and drawings by Kasimir Severinovich Malevich [26 Feb 187815 May 1935], Ukrainian avant-garde Cubist artist who was persecuted by the Soviet Government. This artwork had been among the Russian avant-garde artwork and writings collected by Nikolai Khardzhiev [1903-1996], which, when he left the Soviet Union in 1993, was plundered by corrupt officials, confidence men, and crooked art dealers. Malevich died in poverty in Amsterdam, where the Stedelijk Museum has the best collection of his work, acquired, as by other museums and collectors, under questionable circumstances.
[1933 photo: Malevich, left, with Khardzhiev, in Moscow >]

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updated Saturday 12-May-2007 21:25 UT
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v.5.70 Tuesday 30-Aug-2005 16:53 UT
Thursday 13-May-2004 0:26 UT

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