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ART “4” “2”-DAY  16 January v.10.00
^ Died on 16 January 1906: Arnold Böcklin, Swiss Symbolist painter born on 16 October 1827. In the later 19th century, he was one of the most celebrated and influential artists in central Europe, particularly Germany and Switzerland, notable for his imaginative and idiosyncratic interpretation of themes from Classical mythology.
— Arnold Böcklin's allegorical and fantastical paintings, many based on mythical creatures, anticipated 20th-century surrealism. His early style consisted of idealized classical landscapes. In the 1870s, he turned to fantastic scenes from German legends, paralleling the use by Richard Wagner of similar subjects in opera. His later works, such as The Island of the Dead (in five versions, from 1880), became increasingly dreamlike and nightmarish.

— Arnold Böcklin was born in Basle, Switzerland. The son of a merchant, he overcame his father's opposition thanks to the poet Wilhelm Wackernagel and was able to devote himself to art. In 1845 he attended the Düsseldorf Academy of Art, where his teacher was Johann Wilhelm Schirmer, known for his heroic-panoramic style of painting. Between 1847 and 1848 he travelled to Brussels, Antwerp, Switzerland and Paris. From the autumn of 1848 he worked in Basle, moving to Rome in 1850. In Rome he studied the work of the ancients and found the inspiration for many important works. In 1853 he married Angela Pascucci, a young Italian girl from Rome. There followed a somewhat obscure period, ending when he was appointed to the post of Professor at the Academy of Weimar in 1860. Two years later he returned to Rome to visit Naples and Pompeii and the frescos he discovered had a lasting influence on his technique and his future artistic production. In autumn 1866 he started work on the fresco that was to decorate the main staircase of the Museum of Basle. The period that followed was particularly productive and his style improved enormously in terms of color, form and inspiration. From 1874-84 he lived in Florence, surrounded by disciples. During this period he produced his most controversial works, such as The Island of the Dead (1880) and The Sacred Wood (1882). In 1895 he moved to his villa at San Domenico, near Fiesole. It was here that he lived the last years of his life, continuing to paint until his death on January 16th 1901. Art historians have always found it difficult to classify this original, proud, somewhat eccentric painter who, like Da Vinci, experimented in his garden with human flight. He disliked giving titles to his pictures and declared that he painted in order to make people dream: “Just as it is poetry's task to express feelings, painting must provoke them too. A picture must give the spectator as much food for thought as a poem and must make the same kind of impression as a piece of music. Who would ever have been able to anticipate the effect of music before having heard it? Painting should pervade the soul in the same way, and as long as it does not do this it is nothing more than a brainless handicraft. There is no end to the poetry of the beautiful.”

— Böcklin was born at Basel on the 16th of October 1827. His father, Christian Frederick Böcklin (b. 1802), was descended from an old family of Schaffhausen, and engaged in the silk trade. His mother, Ursula Lippe, was a native of the same city. In 1846 he began his studies at the Dusseldorf academy under Schirmer, who recognized in him, a student of exceptional promise, and sent him to Antwerp and Brussels, where he copied the works of Flemish and Dutch masters. Böcklin then went to Paris, worked at the Louvre, and painted several landscapes; his Landscape and Ruin reveals at the same time a strong feeling for nature and a dramatic conception of scenery. After serving his time in the army he set out for Rome in March 1850, and the sight of the Eternal City was a fresh stimulus to his mind. So, too, was the influence of Italian nature and that of the dead pagan world. At Rome he married (June 20, 1853) Angela Rosa Lorenza Pascucci. In 1856 he returned to Munich, and remained there four years. He then exhibited the Great Park, one of his earliest works, in which he treated ancient mythology with the stamp of individuality, which was the basis of his reputation. Of this period, too, are his Nymph and Satyr, Heroic Landscape (Diana Hunting), both of 1858, and Sappho (1859). These works, which were much discussed, together with Lenbach’s recommendation, gained him his appointment as professor at the Weimar academy. He held the office for two years, painting the Venus and Love, a Portrait of Lenbach, and a Saint Catherine. He was again at Rome from 1862 to 1866, and there gave his fancy and his taste for violent colour free play in his Portrait of Mme Böcklin, now in the Basel gallery, in An Anchorite in the Wilderness (1863); a Roman Tavern, and Villa on the Sea-shore (1864); this last, one of his best pictures. He returned to Basel in 1866 to finish his frescoes in the gallery, and to paint, besides several portraits, The Magdalene with Christ (1868); Anacreon’s Muse (1869); and A Castle and Warriors (1871). His Portrait of Myself, with Death playing a violin (1873), was painted after his return again to Munich, where he exhibited his famous Battle of the Centaurs ; Landscape with Moorish Horsemen; and A Farm (1875)

— Böcklin was an energetic figure devoid of the languid melancholy of 'decadence'. Italy's light and aura of antiquity were decisive in his early development; his paintings quickly came to be populated with mythological figures, with centaurs and naiads. Not until his fiftieth year did he begin to paint the powerfully atmospheric works associated with his name today. Among the most famous of these is the painting known as The Isle of the Dead (1880, 111x155cm), which Böcklin himself entitled 'a tranquil place'. It was clearly important to him; he made five different versions of the composition. The new title was suggested by the white-draped coffin on the boat, the funerary presence of the cypresses, and the overwhelming impression of immobility and silence. The white figure vividly lit by a setting sun is contrasted with the dark, vertical forms of the trees, impervious to the slanting rays of the sun. Like a dream, the painting condenses a number of contradictory sensations and emotions. "Böcklin's choice of imagery is not coincidental. A young widow had asked him for an 'image to dream by', and the funereal serenity perhaps echoes something of the artist's own emotions about death. At the age of twenty-five, during one of his stays in Rome, he had married the daughter of a pontifical guard who bore him eleven children between 1855 and 1876; five of them died in infancy, and the Böcklin family was twice (in 1855 and 1873) forced to flee cholera epidemics. Böcklin's art reveals a robust temperament. He showed no reticence towards the new technologies then sweeping the continent. He devoted time to the invention of a flying machine, negotiating with businessmen for its manufacture. His Germanic feeling for nature was expressed, in canonic Romantic fashion, in such paintings as The Sacred Wood (1882), but its most striking expression is The Silence of the Forest (1885) in which a bizarre unicorn, part cow, part camel, emerges from a forest, bearing an equally enigmatic woman on its back.

— Albert Welti was a student of Böcklin.

Photo of Böcklin (1900; 600x428pix _ ZOOM to 1400x999pix)
Self-portrait with Violinist Death (1872; 600x436pix; 85kb _ ZOOM to 1400x1017pix)
Self-portrait (600x492pix _ ZOOM to 1400x1148pix)
Self-portrait (1879, 600x480pix _ ZOOM to 1400x1120pix)
Self-portrait looking out the window (1862; 600x472pix _ ZOOM to 1400x1101pix)
Self-portrait with Wineglass (1885; 600x448pix)
Self-portrait in the Studio (1885; 600x404pix _ ZOOM to 1400x943pix)
Self-portrait with Wife (1864; 600x472pix; 85kb)
Children Carving May Flutes (1865)
War (1896, 100x69cm _ ZOOM to 1400x1055pix) _ This allegory of war is inspired by Saint John's vision of the four horsemen of the Apocalypse.
Plague (1898, 149x105cm _ ZOOM to 1400x980pix) _ This painting was unfinished. The artist and his family twice had to flee cholera epidemics.
Amaryllis aka The Dirge of the Shepherd (1866, 138x100cm; 600x424pix _ ZOOM to 1400x989pix)
Battle of the Centaurs (1873; 600x800pix; 85kb _ ZOOM to 1400x1148pix)
The Isle of the Dead (1883, 111x155cm; 600x1101pix, 252kb _ ZOOM to 1400x2570pix) at Berlin _ The Island of the Dead, Böcklin's most celebrated picture, was the final expression of a theme which had haunted him for many years, that of a lonely villa by the sea. He painted no less than five versions, of which another is in the Metropolitan Museum of Art, New York. It shows the artist in his most strictly Symbolist vein, selecting and recomposing elements from nature to evoke a particular mood, in this case one of withdrawal and disassociation with the world. For Böcklin it was simply 'a picture for dreaming over'. It was his dealer, Fritz Gurlitt, who gave it the title by which it became well known.
—a slightly different The Isle of the Dead (1886; 600x1143pix; 257kb _ ZOOM to 1400x2667pix) at Leipzig.
_ The Isle of Love (1886; 600x896pix; _ ZOOM to 1400x2091pix)
_ Diana's Hunt (1862, 600x1112pix; _ ZOOM to 1400x2595pix)
_ Landscape with Diana Hunting (1886, 100x200cm; 600x1212pix; _ ZOOM to 1400x2828pix)
_ Delanira and Nessus struggling (1898; 600x856pix; _ ZOOM to 1400x1997pix)
_ Saint Anthony Preaches to the Fishes, or more exactly to a very attentive seal, lying on a rock at the feet of the saint, who seems to be admonishing the seal to become a vegetarian and not eat the fishes, who are watching from a safe distance, poking their heads out of the sea in the background (1898; 600x856pix; _ ZOOM to 1400x1997pix)
Pirate Attack (Heroic Landscape) (1878, 108x156cm; 600x867pix)
_ The Battle on the Bridge version 1 (1889; 600x928pix; _ ZOOM to 1400x2165pix)
_ The Battle on the Bridge version 2 (1892; 600x848pix; _ ZOOM to 1400x1979pix)
Villa by the Sea (1878, 108x156cm; 600x867pix _ ZOOM to 1400x2022pix)
Vita somnium breve aka The Three Ages (1888, 180x114cm; 600x380pix; _ ZOOM to 1400x887pix) _ In the heart of nature at springtime, by a fountain inscribed with the words Life is but a dream, three couples are seen at different times of life: infancy, maturity, and old age. (Death raising a cudgel behind a seated old man).
Idyll aka A Pair of Lovers Before Some Bushes (1862; 600x472pix _ ZOOM to 1400x1101pix) _ The boy is seated on the ground, relaxed, watching the girl pick a flower off the bushes.
9 ZOOMable images at Wikimedia
^ Died on 16 January 1970: Francisco Gutiérrez Cossío “Pancho Cossío”, Spanish painter born in Cuba on 20 October 1894 (1884?), who painted mostly marine scenes, still lifes, and portraits.
— He was self-taught and began to draw as a child, copying illustrations from magazines. In 1914, when he was already in Madrid, he attended the studio of the Valencian painter Cecilio Plá [1860–1934], where he took his first steps towards mastering colour and painting technique and used impasto to execute a wide variety of experimental works. In 1920 he moved to Santander, where he had previously lived, which affected him because of its people and seaside position. Among the few surviving works up to the time of his first one-man exhibition in 1921, the human figure predominated; these included scenes of villagers and seamen (e.g. Cantabria, People of the Land, 1919), which he painted with great sobriety of gesture and intense color, and other paintings in which traditional and avant-garde elements are harmoniously blended, such as Bullfighter (1920) and Small Fishing Boats (1921).

— Pancho Cossío was born in San Diego de los Baños, Cuba, and died in Alicante, Spain. He spent most of his life in Paris, Madrid, and Santander ... but Pancho Cossío was, above all, a montañes and his Cantabria is present and vital in his paintings.
      Within the history of Spanish art in the 20th century, it is important to mention Pancho Cossío, however complex and disconcerting his life. It is only after contemplating examples sufficiently representative of all the periods of this amazing and solitary painter that it is possible to reconstruct the history of a long and productive personal journey which has a very important role within the complex history of artistic renewal in Spain. Pancho Cossío gives us a lesson of deep and sincere independence, clearly delimiting a necessary field within the history of Spanish art in the recent past. His conception of painting evolved from academic realism to post-Cubist postulates, his final period being the most significant. This was characterised by a unique idea of painting, close to abstraction, based on transparent films of paint alternating with robust brushwork and mostly treating marine themes, still lives, and portraits.

1894 Francisco Gutiérrez Cossío nace en San Diego de los Baños, provincia de Pinar del Río, Cuba. Sus padres Genaro Gutiérrez y Casimira Cossío y Mier, eran españoles naturales de dos poblaciones muy cercanas del valle de Cabuérniga en Santander. Su padre llevaba una estancia donde se almacenaba tabaco y surtía de hojas a las fábricas.
     Don Genaro Gutiérrez llegó a ser nombrado alcalde de Pinar del Río y, adelantándose a la legislación española, abolió la esclavitud entre sus trabajadores.

1896 Al estallar la guerra por la independencia de la isla, la región es tomada por Quintín Banderas, guerrillero que se distingue por su extrema crueldad con los españoles. Pero las medidas abolicionistas tomadas por Genáro Gutiérrez hacen que el guerrillero tenga la deferencia de facilitar la partida de la familia Gutiérrez Cossío.
El regreso a España se realiza en dos tandas, primero viajan los hijos mayores; después, los padres con los cuatro hijos menores.

1898 La familia fija su residencia en Renedo, a orillas del río Saja, en el valle de Cabuérniga en Santander.

1899 Pancho sufre un accidente infantil. Se fractura un tobillo, hay quién dice que provocado accidentalmente al quedar su pierna atrapada en la mecedora en que reposaba su madre, lo que le provocó cojera de por vida.
En los meses de convalecencia se entretiene dibujando, principalmente copia ilustraciones de Blanco y Negro.

1907 La familia se traslada a Santander.

1909 Comienza estudios de Comercio que abandona pronto.

1911 La familia, a la vista de sus buenas cualidades para la pintura, decide ponerle bajo los auspicios de un 'profesor de pintura'. Recibe clases del maestro local Francisco Rivera, hombre poco dotado para la enseñanza. Este se limita a hacerle copiar láminas francesas.

1912 Primeros dibujos fechados.

1914 Se traslada a Madrid con el fín de continuar sus estudios de pintura. Tiene veinte años cuando entra en el taller de Cecilio Plá. Este libera a sus alumnos del condicionamiento de la copia academicista y les anima para que experimenten con su propia paleta y analicen la composición libre.

1916 Francisco Bores López [1898-1972] entra en el taller de Plá iniciando una larga amistad con Cossío y con quién habría de destacar en su etapa francesa.

1918 Cossío termina sus estudios con Cecilio Plá.
     Sus obras son aún 'obras de academia', cuadros sujetos a un modelo dado y a un modo estricto de representar, sin embargo empieza a despuntar su personalísimo análisis del color.
     Regresa a Santander y se mueve en el ambiente bohemio de la ciudad frecuentando a los poetas Gerardo Diego, José de Ciria y Escalante y José del Río Sanz 'Pick'.

1919 Monta su estudio de pintor en la calle Fernando el Santo de Madrid
     Expone por primera vez en la Exposición de Bellas Artes patrocinada por el Ayuntamiento y el Ateneo de Santander y organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid, que se celebra en el mes de Agosto en Santander. Participa con el primer Retrato de mi madre

1920 Monta estudio en Santander.

1921 Cossío alterna sus estancias en Madrid con visitas esporádicas a Santander, para no perder el contacto filial con la familia.
     Debido al rápido progreso en sus estudios, realiza en estos años dos exposiciones en el Ateneo de Santander, en la que sorprende y escandaliza a sus paisanos acostumbrada al arte burgués, figurativo y rígido según era costumbre en la época.
     En estas primeras obras ya se empieza a vislumbra al Cossío peculiar, un lenguaje y una concepción de la composición propias. Aún está bajo la influencia de otros pintores de la época como Daniel Vázquez Díaz [1882-1969] , José Gutiérrez Solana [1886-1945] o Zubiaurre, pero ya es evidente su gran personalidad, subrayada además por la sobriedad en el dibujo.

1922 Segunda exposición en el Ateneo de Santander. Cossío tiene que intervenir en la polémica suscitada en la prensa:
“Mi clasificación por la tendencia en que milito es la de postimpresionista. Una vez lo digo para siempre. A los susodichos que me llaman ultraísta y otras cosas y a muchos más que si no me lo llaman, sería lógico que me lo llamasen, les continuaré diciendo que se asomen a los Pirineos y desde allí contemplen el panorama estético de Europa y ... entonces comprenderán y por ultimo amarán muchas cosas que hoy son arcanos para ellos.
... Ruego que no se nos tome por iconoclastas. No lo somos. Solamente somos hombres que honradamente intentamos crear un nuevo valor estético por insignificante que sea. Para conseguirlo seguiremos trabajando aunque los perros ladren.”

1923 Cossío ilustra con xilografías el libro Hampa, de José del Río Sanz 'Pick', cuyo tema es escandaloso para la época; es alusivo a las furcias (English: “molls”).
     Expone en el Ateneo de Madrid recibiendo el apoyo crítico de Juan de la Encina, Cecilio Plá y de José María de Cossío que destaca sus xilografías.
      Animado por su amigo el escultor Daniel Alegre, marcha con este a París entrando en contacto con los pintores españoles agrupados en torno a Picasso [1881-1973]: Manuel Angeles Ortíz, Ismael de la Serna, José de Togores i Llach, y Ucelay.
     Nada más llegar manda el cuadro Desnudo al salón de los Independientes, que no atrae la atención de la crítica, aunque no le resulte difícil venderlo.
     Entra en contacto con los principales componentes de la primera oleada de artistas que componen la Escuela Española de París. Allí están Bores, Viñes, Peinado, Flores y Parra y la también cántabra María Blanchard
Pero justo con la Blanchard es con la que sintoniza. Ambos son cántabros y ambos son invalidos y pese a todo, o quizá por ello, su relación es más bien fría.
     De esta época y del cubismo va tomando Cossío los elementos precisos para levantar el armazón de su obra futúra. En sus temas aparece la naturaleza muerta y en este los típicos motivos cubistas, copas, botellas, naipes, respaldos de sillas, etc. Ocurre, empero, que la personalidad de Cossío — una vez más — es muy fuerte y pasa de copiar a asimilar, es decir, transforma lo ajeno hasta hacerlo suyo. Es una época en que se le vincula con el expresionismo alemán, filiciación que es muy clara en su obra posterior de 1924 titulada Puerto.
     En París, Cossío adquiere su madurez personal y la delineación de un estilo propio. Estudia el cubismo y especialmente la obra de Georges Braque [1882-1963], realizando numerosos bodegones poscubistas en ese período.

1929 Cossío cede toda su obra a la Galerie de France.
      Llega un período de seguridad. Es reconocido por aficionados y artistas y mimado por los críticos. Hace amistad con Zervos, figura fundamental en el ámbito del arte en el París de aquella época. Zervos pasa a convertirse en su gran paladín.
     Cossío se integra plenamente en París, donde convive y alterna con españoles y no españoles, y su figura lisiada es inseparable de los acontecimientos más señalados de la vanguardia hasta 1933. Así, aparece fugazmente como actor en películas surrealistas de Buñuel.
     La obra de Cossío de este período presenta muchas afinidades con las de sus amigos Francisco Bores, de la Serna y Viñes, pero tiene una personalidad especial.
     Entonces que no había ni una tela ni un guache de Cossío que deje de ser un drama profundo y afirmaba que procedían de un pensamiento recoleto y ensimismado y de una vida profunda.
     Entre las obras de este período destaca la poderosa Naturaleza muerta con bonito, pan y manzana (1927), en la cual el pintor no hace ninguna concesión en su visión plástica y que se presenta incluso como un precedente de las pinturas actuales de Miquel Barceló [1957-] (pintor que por encima de todo ha defendido su independencia de cualquier pintor, movimiento o corriente ... defensa cuando menos pública).

1933 Esta época francesa de Cossío acaba un tanto abruptamente. La Galeríe de France, con la que tenía contrato, y donde tenía cedida toda su producción, quiebra y en su caida arrastra al pintor que se arruina también y no solo eso sino que la mayoría de sus telas, aún sin vender, quedan embargadas.
     Ese mismo año el pintor vuelve a España. Y ocurre algo incomprensible para la gente del arte. Cossío que ha triunfado en París y que lo único que debe hacer es explotar su merecida fama de París decide abandonar prácticamente la pintura.
     Pasa por momentos duros y difíciles y en lo político se radicaliza y evoluciona hacia el falangismo llegando a convertirse en un personaje muy significado dentro de este grupo.y se implica en asuntos políticos, llegando a convertirse en Santander miembro fundador de las J.O.N.S. (Juntas de Ofensiva Nacional-Sindicalista), de Ramiro Ledesma Ramos [23 May 1905 – 29 Oct 1936]. El estallido del conflicto bélico obliga a Cossío a recluirse, sin poder salir a la calle, en su casa de Santander, hasta que las tropas nacionales entran en la ciudad.

1937 Con la entrada de las tropas franquistas en la ciudad, Cossío es nombrado jefe de prensa y propaganda.
Durante estos años, la dedicación a la política le hace descuidar temporalmente la pintura y realiza pocas obras, la única que se conoce de esta época es el Retrato del padre Ravago.
Por esta época, otra actividad alejada de los pinceles, es el auspiciamiento de la práctica futbolística, materializada en el Racing de Santander, del que legítimamente se sentía orgulloso fundador.

1940 Sin embargo, un tanto decepcionado, fiel a Manuel Hedilla Larrey [18 Jul 1902-1970], Cossío se enemista con el nuevo régimen y abandona la actividad política y vuelve al arte.
     Santander cuenta por aquel entonces con un fantástico movimiento cultural que se agrupa bajo las siglas de Proel, al cual él no es ajeno. Los jovenes admiran su pintura y lo tienen por maestro a imitar. En Proel se dan cita literatos y pintores llamados a tener gran nombradía, caso de Pepe Hierro.

1942 A partir de 1942 Cossío alcanza su estilo pleno; ahora es él mismo y no se parece a nadie. Sus cuadros son visiones al mismo tiempo fuertes y nacaradas, llenas de sabor pictórico de cocina, como él decía, de nostalgia y de poesía. Logra además en su arte la intemporalidad. Los retratos de este período son prodigiosos, comenzando por La madre del artista (1942). Los rostros, las manos, el espíritu de los personajes, la falta de enfásis son algunas de sus caracteristicas más importantes
     Pese a su enfrentamiento con el régimen, pintará los retratos del ministro Peña Boeuf, de José Antonio Primo de Rivera (1943), el ausente presente, de Zarcajo Osorio (1944) y de Ledesma Ramos. Son retratos que políticamente se pueden considerar comprometidos, pero son retratos que, como el de José Antonio, tienen el indiscutible mérito no solo de su perfección formal sino también de manifestar la sinceridad del pintor con sus ideas y con sus amigos.
     Su vuelta activa a la pintura se produce a principios de la década de los cuarenta. Por un momento se sospecha que pueda acabar convirtiendose en el pintor oficial del Régimen pero no solo no ocurre ésto sino que se convierte en defensor de pintores reconocidos como republicanos.
En aquella época realiza excelente retratos, entre ellos los dos soberbios retratos de su madre, uno de ellos definido por alguien como uno de los más espectaculares del siglo. Es un retrato donde se muestra la concisión, sobriedad y riqueza plástica.

1945 Fallece su madre. Expone en Madrid. Se ocupa de él Gaya Nuño, llamado a ser su máximo valedor y biógrafo, algo similar a lo que supuso Zervos en su época francesa.

1949 Expone, con poco exito, en las Galerías Layetanas de Barcelona de la que era director artístico Gaya Nuño. Años más tarde éste escribiría sobre esta exposición:
     Tanto el pintor como yo estábamos radiantes de alegría. Es posible que jamás se hubiera visto en Barcelona exposición tan cuidada y selecta de un pintor vivo. El efecto era deslumbrador, de una riqueza sin igual. Más que exposición, aquello semejaba la gran gal de honor que era debido a Cossío en cualquier gran Museo de Arte Contemporáneo de no importa que ciudad del mundo, tal era la nobleza del conjunto.

1950 Exposición en el Museo de Arte Contemporaneo de Madrid. Luis Felipe Vivanco pronuncia una conferencia el día 28 de Enero, en las salas del museo titulada “Pancho Cossío, pintor egocéntrico” en la que dice:
     Con su naturaleza titulada “Jarra, Mandolina y frutas”, que es de 1941, inaugura Cossío la etapa española de su pintura, que va a durar hasta el día de hoy. Cabe hablar de esta etapa española porque, a lo largo de ella, es cuando adquiere Cossío, como pintor, plenitud de espíritu y de conciencia y su obra plenitud de realidad pictórica. La invención plástica, liberada de toda inquietud extraña y de toda actitud polémica, ya no es más -ni menos- que descubrimiento de las formas de las cosas desde sus nuevas posibilidades espirituales. Por eso va a haber siempre una gran actividad de espíritu, haciendo posibles esa gran calma y esa seguridad interior en que se instalan sus naturalezas muertas. Podemos decir que todos estos lienzos los ha pintado Cossío después de haber liquidado sus deudas de primera hora con la realidad de este mundo, desde la realidad incompleta, aunque ambiciosa, de sus lienzos de entonces.

1952 El Retrato del doctor Carlos Blanco-Soler es verdaderamente ejemplar e inimitable. Es dificil encontrar en un lienzo, de dimensiones inferiores a un metro, tanto acierto compositivo y tanta riqueza de matices, de sombras de limpidez cromática y de veladuras. Sus tempestuosas marinas de esta época están en el límite de la realidad — Pancho Cossío era un gran admirador de Joseph Mallord William Turner [1775-1851] y lleva las propuestas informeles del pintor inglés a su última expresión. Y en los bodegones, Cossío es el maestro indiscutible, cada uno tiene su propia vida, cualquier elemento en ellos, una mesa, unas copas, unas sillas, unas porcelanas, unas flores, unas brevas, unos platanos, está vivo en un espacio sobrio y, al mismo tiempo, sobrio de color, ele cual el gris velazqueño impera, pues no en balde Cossío afirmaba que el gris no era solo el resultante de la mezcla del blanco y del negro, sino que era el color de la sabiduría.

Noviembre 1983: Cossío participa en la colectiva organizada por la Asociación Pro Derechos Humanos y para conmemorar el 35 Aniversario de la Declaración Universal de Derechos Humanos. Participaron entre otros Eduardo Arroyo, Antoní Tàpies [1923-], Lucio Muñoz, Díaz Caneja, Eusebio Sempere, Eduardo Sanz, etc.

Noviembre 1987: Tres obras de Cossío son seleccionadas para la colectiva Naturalezas españolas celebrada en el Centro de Arte Reina Sofía, que incluye también obras de Alfredo Alcaín, Alcolea, Alfaro, Amat, Arrollo, Barceló (una vez más Barceló y Cossío colgados juntos), Barjola, Díaz Caneja, Dalí, Equipo Crónica, Gordillo, Guinovart, Antonio López García [06 Jan 1936~], Maruja Mallo, Joan Miró [1893-1983], Miura, Hernandez Mompó, Lucio Muñoz, Navarro Baldeweg, Palencia, Picasso, Quejido, Quetglás, Quirós, Rafols, Sicilia, Solana, Tapies, Urculo, y otros.

Don Mariano Navarro Rubio _ De pie y de algo más de medio cuerpo , viste traje negro y parece estar pronunciando algunas palabras apoyado ligeramente con las puntas de los dedos sobre una mesa, en la que descansan unos papeles. Obra de aparente improvisación, como si el retratado hubiera sido captado casi por sorpresa en un determinado momento de su actividad cotidiana, este lienzo es una clara muestra del peculiar modo con que Pancho Cossío interpreta el género del retrato con abundante empleo de blancos y negros, sus dos "colores" más queridos y con diversos toques de ocre, desde un crema suave hasta casi un castaño intenso, evitando toda estridencia cromática. Asimismo se advierten numerosas transparencias o veladuras realizadas mediante la aplicación de varias capas de pinceladas superpuestas con gran virtuosismo, haciendo uso además de la espátula con frecuencia.
      La preparación del lienzo y la ejecución técnica son irreprochables, apreciándose un ligero arrepentimiento en el hombro y brazo derechos que revela la atención prestada a esta obra, que recuerda los retratos de la madre del artista, de Félix Huarte y del también ministro Peña Boeuf, en todos los cuales la figura humana parece un tanto etérea, como flotante, lo que también ocurre en esta composición, sin duda una de sus mejores realizaciones en el campo del retrato. Este lienzo fue pintado a comienzos de los años sesenta por encargo del Servicio Nacional de Loterías.
     Don Mariano Navarro Rubio ha sido Letrado del Consejo de Estado, Subsecretario de Obras Públicas desde 1955 y Ministro de Hacienda desde febrero de 1957 hasta julio de 1965, habiendo llevado a cabo la reforma del Sistema tributario en 1964. Más tarde pasó a ocupar el cargo de Gobernador del Banco de España desde 1966 a 1969.
El postre El postre (1918, 48x68cm) _ This painting shows on a table a group of objects: a bottle, a plate with an orange cut in half, two apples, a coffee spoon, a coffee pot and cup next to a stem glass and a dish full of oranges. Front left there is a cigar, which could be intended to be smoked after a good dessert. Still lifes are a frequent subject for Cossío, and it is the one he paints most painstakingly. You might say that Cossío has created a world of inert things. They are mostly fruit, to which he adds glasses, fruit bowls and other containers that contribute a contrast of shapes and colors. Those still lifes have a well defined style, with a preference for spherical or ovoid volumes, and an obvious liking for natural colors as well a sort of curvilinear cubism.
–- Los Marineros (892x692pix, 47kb) almost monochrome
Ventana al Mar (243x460pix, 26kb)
Bodegón (1928, 60x80cm; 229x310pix, 24kb) _ Deploring Cossío's lack of appreciation for the power of color, symmetry, and daring abstraction, and the ridiculously small size of this image, the pseudonymous Sancho Coció has cooked up what it ought to be:
      _ Body Gone (2006; screen filling, 318kb)
Dos Fragatas (60x73cm; 388x301pix, 37kb) _ For the same reasons as above, Coció has created
      _ Dos Fregadas (2006; screen filling, 374kb)
Poissons dans un Filet (1928, 65x80cm; 242x290pix, 147kb png) _ Here too the tiny image has been enhanced and transformed by Coció, into
      _ Poisons dans un Feuillet (2007; screen filling, 185kb)
women at work in a Nazi camp
Died on a 16 January:

2009 Andrew Wyeth, US painter born (full coverage) on 12 July 1917.

1980 Benjamin Palencia, Spanish painter born (main coverage) on 07 July 1894. —(100115)

^ 2003 Alfred Kantor, of Parkinson's disease, Jewish artist, born in Prague on 07 November 1923. — Probably not related to Morris Kantor [1896-1974]. — Author of The Book of Alfred Kantor (1971) with his reminiscences and 127 watercolors and sketches of life in the Nazi concentration camps of Auschwitz, Theresienstadt, and Schwarzheide. [example >]
Cross-road of life (18 Dec 1943; 607x517pix, 54kb _ ZOOM to 911x775pix, 116kb)
Blick auf das Aussenlager Schwarzheide (420x470pix, 41kb) —(060115)

^ 1916 Ulpiano Checa y Sanz, Spanish painter specialized in galloping horses, born on 03 April 1860.
El Rapto (46x66cm; 555x800pix 169kb)
Mitre (the horse is not galloping) _ Bartolomé Mitre [26 June 1821 – 18 Jan 1906] was a Buenos Aires politician, soldier, and author, who as president of Argentina was instrumental in uniting a war-torn nation and inaugurating an era of peace and economic progress in the last half of the 19th century. —(060115)

^ 1886 Piotr Petrovitch Veretshchagin (or Weretschagin), Russian painter born in 1836. — Relative? of Vasily Vasilevich Vereshchagin [1842-1904]?
A View of Saint-Petersburg (41x88cm) —(060115)

^ 1668 Charles-Alphonse Dufresnoy “CAD”, French painter and poet (De Arte Graphica in Latin) born in 1611. — Portrait of Dufresnoy (492x385pix, 64kb) by Charles Lebrun.
Portrait of a Man Holding a Portrait (107x91cm; 1000x846pix, 478kb) _ The pseudonymous Al Anoix claims to have discovered that this painting was originally part of the diptych (take a deep breath)
      _ Portrait of a Man Holding a Cropped Version of the Side of That Very Same Portrait Showing Himself Alone, and Facing His Identical Twin Brother Holding a Portrait of Their Father When He Was Their Age and Was Not Holding a Portrait of Himself or of Anyone Else nor Anything That Shows in the Portrait nor Was He Holding His Breath Which Does Not Show in the Portrait, From Which It Can Be Reasonably Assumed That It Was Not Made Outdoors During Freezing Weather (533x892pix, 56kb _ ZOOM to 800x1338pix, 135kb _ ZOOM+ to 1600x2676pix, 351kb); but no one believes him. Look at the images and decide for yourself. One reason to doubt the veracity of Al Anoix is that he claims that the title given above is a translation of the original title in French, which he says is: Portrait d'un homme tenant une version cultivée du côté de ce très même portrait seul se montrant, et faisant face à son frère de jumeau identique tenant un portrait de leur père quand il était leur âge et ne tenait pas un portrait de se ou de n'importe qui d'autre ni de tout ce qui montrent dans le portrait ni était il tenant son souffle ce qui ne montre pas dans le portrait, duquel il peut raisonnablement supposer qu'il n'a pas été fait dehors par le temps de congélation. While it is true that Dufresnoy did not speak or write 21st century French, it is even more certain that he did not speak or write the kind of French into which Google Language Tools translates English, which the above sample suspiciously resembles. Independent unpublished research (by a Korean former stem cell researcher who is believed to be very impartial, since he understands not a word of either French or English) has determined that there is in the Delanoy family an oral tradition according to which the original title in French was approximately (after a round-trip translation into Korean, but not by a computer): Portrait d'un gentilhomme qui présente une version du côté de ce même portrait qui le montre lui seul, et qui fait face à son frère jumeau monozygote qui, lui, présente un portrait de leur père quand il avait leur âge et ne montrait aucun portrait soit de lui-même soit de n'importe qui d'autre ni ne tenait quoi que ce soit que l'on puisse voir dans le le portrait, et qui ne retenait pas son souffle, que l'on ne puis voir dans le portrait, ce dont on peut logiquement déduire que ledit portrait du père n'a pas été fait en plein air par temps de gel, ce qui est aussi le cas du portrait des deux jumeaux ou l'on ne voit pas non plus leur souffle et qui, de surcrois, a en arrière-plan un paysage nullement hivernal. Naturally you are curious as to how Google would translate that into English and whether and how it might differ from the title quoted by Al Anoix. Here it is: Portrait of a gentleman who presents a version on the side of this same portrait which only shows it him, and which faces his/her twin brother monozygote which, presents a portrait of their father to him when it had their age and no portrait either of itself or of no matter whom of other showed nor did not hold anything that one can see in the portrait, and who did not retain his breath, that one then to see in the portrait, that which one can logically deduce that the aforementioned portrait of the father was not made in the open air per time of freezing, which is portrait of the two twins or one does not see either their breath and which, of surcrois, has in background a landscape by no means winter. Draw your own conclusions.
Alexandre au tombeau d'Achille (508x707pix, 224kb)
The Suicide of Lucretia (509x595pix, 99kb) —(060115)

Born on a 16 January:

1909 Clement Greenberg, US artist who died on 07 May 1994. —(080108)

^ 1824 Seymour Joseph Guy, English US painter and printmaker who died on 10 December 1910.
Unconscious of Danger (1865; 750x592pix, 115kb)
Dressing for the Rehearsal (1890)
Girl and Kitten (26x31cm)
The Contest for the Bouquet (1866, 63x75cm; 415x500pix, 66kb)

^ 1754 Paul-Théodor van Brussel, Dutch still life painter who died in 1795.
–- Still Life of Flowers in an Urn (836x700pix, 46kb)
–- Still Life of Flowers and Grapes (836x700pix, 48kb)
Still Life of Summer Flowers (71x63cm; 565x500pix, 91kb) it includes roses, carnations, tulips, and peonies in a terra cotta figural urn on a stone ledge with a nest of eggs and with butterflies. —(070114)

Baptized on a 16 January:

— >1626 Lucas Achtschellinck, Brussels Flemish landscape painter who was buried on 12 May 1699. He entered the Brussels painters guild on 26 October 1639 as an apprentice of Pieter van der Borcht. He was admitted as master in 1657. Influenced mainly by Jacques d'Arthois, he painted, for churches and cloisters, landscapes in the style of Rubens [28 Jun 1577 – 30 May 1640], to which other painters added figures from biblical events. For example he painted the landscapes in many of the paintings completed by Gaspar de Crayer [18 Nov 1584 – 27 Jan 1669]. Together with: Lodewijk de Vadder [bap. 08 Apr 1605 – 10 Aug 1655] and Jacques d'Arthois [12 Oct 1613 – 1686] he is one of the “Soignes Forest Painters”.
The Animals on the Way to Noah's Ark (130x187cm; 442x640pix, 52kb) the figures are by Hans Jordaens III [1595 – 14 Jul 1643] — (090115)

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updated Saturday 16-Jan-2010 2:10 UT
Principal updates:
v.9.00 Friday 16-Jan-2009 22:04 UT
v.8.00 Tuesday 08-Jan-2008 23:39 UT
v. 7.00 Tuesday 16-Jan-2007 3:34 UT
v.6.00 Monday 16-Jan-2006 4:14 UT
Saturday 15-Jan-2005 15:58 UT
Thursday 02-Dec-2004 0:10 UT

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